Paraíso Atonal

Metallica - Death Magnetic Tour Chile

2010-02-02T20:49:00.001-08:00

Aunque T00L y Opeth son mis bandas "favoritas" le tengo un cariño especial, diferente, a MetallicA. Quizás porque cada disco de ellos marca una etapa de mi vida -aunque vienen grabando mucho antes de que mi padre se cu**ara a mi madre-. Siempre lo e sentido así. Y el día 26 de Enero del 2010 me di cuenta realmente la gran diferencia que MetallicA me genera. Opeth en vivo fue algo Poderoso y Bello, de seguro con T00L será llegar al 9no sentido pero lo que sucedió con MetallicA no me lo esperaba, para nada. Fue algo sorprendente.

Después de estar 11 horas sofocado por el calor y agonizando por la espera... en aquel Lugar se apagaron las luces y apenas sentí ese nudo en la garganta la calidez de "The Ecstacy of Gold" me hizo caer en pedazos y me olvide de todo. Mi corazón empezó a latir desesperadamente pero satisfecho porque lo que estaba a punto de comenzar era aquella esperada tormenta llena de viento, lluvia, granizo y relámpagos durante 120 eternos minutos.

TZ! TZ! TZ! TZ!

No hubieron Riff que no se cabecearon, Solos de guitarra que no se tararearon ni Lírica que no se haya cantando... cuando la voz empezó a desvanecerse era el alma misma la que gritaba... cuando el cuerpo empezó a decaer era esa misma alma la que nos hizo mantenernos de pie en esa explosión de energía sinérgica que surgía desde el escenario y se alimentaba del aliento de cada uno de nosotros.

No entrare en detalle de la emoción producida por Creeping Death, Bell Tolls, Fade, One, Whiplash, Master, Fight Fire, etc. ni las que me hubiese gustado escuchar... de comienzo a fin, a pesar de mínimas fallas técnicas, a pesar de empujones, a pesar de la sed, todo fue perfecto... mágico... incluso inesperado.

No esta de más decir que todo aquel "metallero" que asistió se emociono, su lagrima le cayo, incluso se amariconeo en sentimientos con más de alguna canción cuando empezaban los primeros acordes pero luego... luego... luego era todo desenfreno... euforia... agresividad justificada... para terminar con el mejor WOOOO CONCHATUMAREeeEEeeEE!!

\m/

TrackList (02:00:29):

01.- 06:13 - Creeping Death
02.- 04:18 - For Whom The Bell Tolls
03.- 05.12 - The Four Horsemen
04.- 07:24 - Harvester Of Sorrow
05.- 07:27 - Fade To Black
06.- 07:41 - That Was Just Your Life
07.- 06:54 - The End Of The Line
08.- 06:57 - Sad But True
09.- 07:00 - Broken, Beat and Scarred
10.- 06:41 - Cyanide
11.- 08:34 - One
12.- 07:55 - Master Of Puppets
13.- 05:01 - Fight Fire With Fire
14.- 01:58 - Kirk Solo
15.- 05:51 - Nothing Else Matters
16.- 06:30 - Enter Sandman
17.- 01:05 - Encore Jam
18.- 03:30 - Blitzkrieg
19.- 04:20 - Whiplash
20.- 09:48 - Seek and Destroy

Click en el nombre del Track para descargar en formato FLAC.
Descarga MP3 128kbps [Mediafire-114MG]
Gracias a quienes subieron los archivos. Fuente

Chile, Enero 26, 2010.- METALLICA... simplemente LA CAGOOOOÓ!!!!

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NICK DRAKE - PINK MOON

2009-11-18T14:12:00.000-08:00

Si el trabajo de Eddie Vedder, en la banda Sonora de “Into The Wild” nos deja la imagen de vernos inmersos en el viaje de alexander, la banda sonora podría decirse que es una especie de diario de ruta musical del propio protagonista.

Siguiendo con esta analogía la propuesta que nos ofrece Nick Drake es una un viaje, sin que jamás Nick haya viajado, una especie de roadtrip , como diría Denis un viaje lejos, pero hacia adentro.

Nick Drake desprovisto de todo arreglo musical, depresivo, con la ultima gota de su voz, y ya sin nada mas que decir, como dejaria en una nota después de grabar el disco (registrado en un espacio de dos horas) nos presenta el breve pero efectivo “Pink Moon” tal vez el trabajo mas hermético esta ese momento del ahora bien reconocido solista ingles.
Pink Moon arranca ahora simple, sencillo con la compañía solo de la solitaria guitarra y la fugaz aparición de un piano, con su voz siempre lista, y expresiva con el tema del mismo nombre. Ahora el miedo a la bomba, con forma de una luna rosada, cubre los pensamientos de Drake

Como un peldaño mas de su escalada distimica, aparacen temas llenos de tristeza, abandono y melancolía como "Place To Be", "Parasite" o "Which Will, con incalculables dosis de desarraigo, catatonia y tensión.

Nick en “Road” propone una via de escape , una carretera por donde escapar, de todo este mundo representado en Pink Moon que nos propone melancolía, caída y un tiempo pasado mas benevolo, estos esfuerzos se ven concretados en "From The Morning" que cierra el disco, de manera magistral , con una idea de un renacer, de posible mejora y alivio en un nuevo comienzo que se manifiesta al final: "Vi anochecer un día/ y era hermoso/ y cayó la noche/ y el aire era hermoso

Si bien en este disco es donde Nick Drake, habla mas que nunca acerca del profundo sentido de la alienación que sentia con este mundo, un probable sentimiento de des – orientación existencial y del desconcierto ante el devenir de la vida, puedo afirmar que estos factores alimentaban su voz su guitarra y su genialidad.

Nick Drake, sin saber si la causa de su muerte fue un suicidio o una mortal equivocación, me atrevo que a decir que fue de esas personas que nacen con una piel de menos que están llamadas a expresar la belleza de las cosas, sensibles a la alienación humana o la desilusion y del devenir incierto del hombre, Nick vino en una corta pero larga estadía a acompañarnos en nuestras noches eternas de lluvia ,en atardeceres calidos y veranos llenos de sol y gaviotas .

Tack List:
01 pink moon
02 place to be
03 road
04 which will
05 horn
06 things behind the sun
07 know
08 parasite
09 ride
10 harvest breed
11 from the morning

Año: 1972
Formato: MP3

Click para descargar
o
http://www.mediafire.com/?yywwmcrwomz

LUCK

Megadeth - Live in Chile (2008)

2009-07-31T12:51:00.000-07:00

Quizá es el invierno, la lluvia, la buena onda o Belcebú está irritado. Explicaciones pueden haber muchas pero estamos de vuelta justamente con uno de los grandes regresos a Chile, ese que se dio hace ya más de un año y fue simplemente demoledor, Megadeth en su gira “Tour of Duty” promocionando la placa “United Abomination” del 2007. Presentación en el aun “Arena Santiago” el 31 de mayo del 2008.

Ni siquiera los 39 grados de fiebre que marcaba a un par de horas antes del recital fueron impedimento para arribar lleno de expectativas al esperado reencuentro de Chile con Mustaine. Con la fiebre cediendo (según yo gracias a la ayuda de bender) alcanzamos a ver la última parte de la presentación de Criminal, el gran representante del Metal chileno que lamentablemente sonó como la real mierda. Fin de la accidentada presentación de los chascones haciendo patria en el viejo mundo y todos expectantes al gran plato, el hangar estaba preparado. Desde nuestra posición en galería se veía perfecto a unos 10 mil chascones esperando la “Darkest hour”. Y el momento llega de la mano de una brutal sencillez, nada de parafernalia acá lo importante eran las guitarras. Un simple lienzo tenia grabado a fuego a una de las 4 leyendas vivientes; MEGADETH. Solo eso, nada de pantallas gigantes ni pirotecnia y creo que sin querer queriendo se logro un ambiente de tocata, un concierto intimo pero brutal.

Las luces bajaron y era el vamos, ambiente ensordecedor y el arpegio de “Sleepwalker”, primer sencillo del “United Abomination”, comenzaba a sazonar lo que sería una noche para matar. Un riff ensordecedor luego de la lograda entrada con el arpegio hizo estallar la arena y es acá cuando ocurre el único PERO de la noche; el sonido. El concierto comenzó con un sonido que no fue de lo mejor y que bien avanzada la primera canción se arreglo, un detalle que no ensombreció la cruda presentación. “Wake Up Dead”, “Take No Prisoner” y “Skin O` My Teeth” fueron tres granadas en dirección los sesos de todos los que ahí estuvimos, una oda al Riff. Fin de la primera arremetida de 6 cuerdas y el aforo que se viene abajo y luego de los rituales de la bandera tan comunes en este tipo de situaciones la frase rutilante que da inicio al dialogo; “Bienvenidos a la casa de Megadeth”. Luego de un saludo presenta otro de los temas en promoción, el que ha mi gusto sin ser de los más crudos suena bien y critica mejor… se trata de “Washington is Next”. De la mano de “Kick The Chair” llegaba el momento más oscuro de la noche con “Darkest Hour” que marcaria la previa para entrar al “Hangar 18” y escuchar al unisono el grito MEGADETH a voluntad del endemoniado riff de Mustaine; el gran maestro de ceremonia. Un nuevo dialogo con sus prisioneros por propia voluntad para lanzar “Gears Of War” dando un respiro a las ya desgastadas voces y acalambrados cuellos, pero el descanso solo seria físico ya que pegadita comienza a sonar el arpegio con olor a muerte de la remasterizada “A Tout Le Monde” marcando a mi gusto otro de los puntos gigantescos de la noche… “Moving on is a simple thing. What it leaves behind is hard”.

Mucho descanso, “Tornado Of Souls” y “Ashes In Your Mouth” sonaron para luego parar por un rato… hay que alcoholizarse, perdón hidratarse antes de seguir alimentando a una horda de bestias insaciables. “Burnt Ice” y “Sweating Bullets” serian el preámbulo para entrar a tierra derecha, porque lo que se venía iba a echar abajo lo que quedaba de la Arena y sacaría el ansia destructiva que todos tenemos dentro; El Buque insigne hacia su aparición con ese inconfundible riff y la respuesta automática de diciplinados seguidores… MEGADETH, MEGADETH AGUANTE MEGADETH, era “Symphony of Destruction” y un público que se venía abajo, una improvisación y la sinfonía no paraba. Sencillamente un manicomnio. DOBLE BOMBO, ARPEGIO, SOLO… “TRUST”, LOCURA, KARAOKE. Final falso y la jugada perfecta para el final, para un público de culto. “She Wolf” para pasar a “Peace Sells”, presentar a la banda y mandarnos al infierno con “HOLY WARS”

Púdranse, yo vi a Megadeth… Tu NO.

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Crossfire

Shawn Lee's Ping Pong Orchestra - Miles Of Styles

2009-07-12T21:05:00.000-07:00

Querrán que me pudra por lo que diré... pero odio el Jazz, también el Blues jaja, pero no por el estilo, es solo que mi hermano me tiene podrido con todo lo que le escucha, todo el día, todos los días... y hasta las 3am, y a un volumen "moderadamente" alto y sin mucha empatía y comprensión al metro cuadrado de cada uno, pero bueno, ya prácticamente 20 años con él uno se acostumbra... se acostumbra a odiarlo XD!. Volviendo al asunto, descargando mp3, escuchando presentaciones en youtube, y además, cuando ya no tiene que escuchar, busca uno de los canales 600 del vtr que son señal de música; dicho espacio lo encuentro excelente, tocan todo el día géneros específicos según el canal, y esta semana yo venia llegando del trabajo ganándome el pan duro diario y en esa estaba él, tirado en el sillón con su mantita azul para el frío, sus pantuflas rancias a ya se imaginan a que, durmiendo todo el día con la música del vtr, pero a mi me llamó la atención lo que sonaba, bastante, primero porque no era blues, ni jazz, ajaja, y segundo... estaba bien constituida, lleno de ruidos armoniosos que se unían para crear un in crescendo firme, potente, hasta sofisticado y chistoso, y que del cual no vacilé a acercarme a la pantalla y ver si salía algo para reconocerlo y bueno... piratearlo xD. Aunque el Track que escuche era el último del disco y que te daba la sensación que era una especie de resumen de todo el disco, me cautivo, me lleve una grata sorpresa con Shawn Lees Ping Pong Orchestra.

No sé si será suerte mía, o una maldición, pero la música que escucho la puedo apreciar todo el día sin aburrirme, sin encontrarla monótona, sin tener que recurrir a otros patrones, a otros ritmos, impulsos, ideas... siempre encuentro algo nuevo a que seguir cada ves que escucho la misma composición musical, y aunque Shawn Lees nada tiene que ver con lo que suelo escuchar no lo e sacado del reproductor toda esta semana, también le encuentro pasajes nuevos en cada shuffle, bendito sea de paso, detalles minuciosos pero que pulcramente los integrantes quisieron agregar, quizás algún día algún anónimo los notará y aunque no pueda dar las gracias -ni siquiera comprando el original xD- sabrá valorar el esfuerzo por hacerlo perfectamente simple.

"...Ping Pong Orchestra - Miles of Styles", creo que esa seria la mejor forma de describir este tipo de trabajo, un continuo vaivén de diferentes estilos que en el gran cuadro forman una especie de orquesta no sinfónica pero que te atrapa con cada vibración y tonos diferentes que terminan desplazándose a un mismo punto... en donde la música empieza cuando las palabras terminan.

INFORMACIÓN DEL ÁLBUM:

Lanzamiento: 6 de Mayo del 2008

Sello Discografico: Ubiquity

Lista de Tracks:

01 - Punjabi Lullaby

02 - Brazilian Bubble

03 - Great Russell Street

04 - Lagos Calling

05 - Mela D

06 - Bathtub Dub

07 - Prague Rock

08 - Parisian Glam Slam

09 - Italy 73

10 - Ciao Bruno

11 - Dinosaur Island

12 - Heist In Helsinki

13 - Tokyo Dancer

14 - Mystery Train

15 - Phoenix Firebird

16 - San Diego

17 - Daddy Funky

18 - Chinese Chillin

19 - Fly First

20 - Greekout

DESCARGA: 1/2 - 2/2

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Cinderella - Heartbreak Station (1990)

2009-05-06T23:36:00.000-07:00

Después de un largo receso generado por problemas de tiempo de los integrantes del paraíso, y francamente por flojera de la que escribe, volvemos con el potente sonido del grupo de Glam rock Cinderella y su tercer disco “Heartbreak Station”. El punto fuerte del disco comienza a mi gusto con la canción Shelter Me, que más que ser netamente Glam, es blusera, la cual trata de que todos necesitamos algo, y todos nos refugiamos en algo que nos hace seguir adelante, particularmente me siento plenamente identificada con la estrofa que dice:

“Everybody needs a little place they can hide Somewhere to call their own Don’t let nobody inside Every now and then we all need to let go For some it’s the doctor For me it’s rock and roll For some it’s a bottle”

Y es que si miramos en nuestro interior, muchas veces duele ver lo que somos, y generalmente nos negamos a vernos tal cual somos, y para no sufrir ese “aterrizaje forzoso” nos refugiamos en el rock ‘n roll, en una botella de vino, en una pastilla, etc. , y es por eso que todos necesitamos un poco de ayuda, un lugar en cual refugiarnos cuando no hay nadie y donde llorar las penas en paz, todos necesitamos un nicho en donde podamos dejar fluir todo nuestro interior…todos necesitamos ayuda.

Luego cuando el disco sigue nos lleva a una triste estación con “Heartbreak Station”, tema que no encuentro la forma de definir las emociones que me causa, ya que sólo me hace sentir un nudo en la garganta, y es que al escuchar “She took the last train out of my heart, She took the last train, And now I think Ill make a brand new start, She took the last train out of my heart”, creo que no hay forma de no sentirse triste.

Sigue el disco, y “Sick for the Cure" donde nuevamente y de forma casi irrisoria me vuelve a llegar intensamente, ya que siento que trata mi situación actual desde que suena el primer acorde, ya que este tema trata del momento en que somos jóvenes y creemos saber todas las respuestas, creemos saber a donde vamos y lo que deseamos a futuro, y luego, de un momento a otro, te sientes que has ido dejando pasar los años en vano, que en verdad nunca supiste las respuestas, y que lo único que deseas es libertad, que en verdad necesitas descubrir por ti mismo las respuestas, pero siendo libre, sin importar nada, solo deseamos unas alas….y ser libres como el viento. Y como una larga historia el disco sigue con “One for Rock and Roll”,“Dead Man's Road”, y “make your own way” que en el fondo son distintas historias de vida, pero que al fin resumen algunas de las posibilidades que tenemos para vivir, para seguir en la ruta , pero que resume que al final de todo, tomemos el camino que tomemos, esta puta vida siempre será difícil.

Finalmente “wind of changes” nos toca el corazón, y para explicarlo mejor, solo dejare una estrofa del coro…cada cual puede sacar sus conclusiones.

“I walked alone Through the blackest night I felt the cold I felt the bite I took the high road But it ain't right It's just the low road In disguise I'm going through changes”

Track List:

"The More Things Change" – 4:22
"Love's Got Me Doin' Time" – 5:19
"Shelter Me" – 4:47
"Heartbreak Station" – 4:28
"Sick for the Cure" – 3:59
"One for Rock and Roll" – 4:29
"Dead Man's Road" – 6:38
"Make Your Own Way" – 4:15
"Electric Love" – 5:23
"Love Gone Bad" – 4:20
"Winds of Change" – 5:20

En fin...un excelente disco salú

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Angelo Pierarttini y las calaveras errantes vol.1 - Angelo Pierattini (2008)

2009-03-19T19:14:00.000-07:00

Desde mucho antes que Angelo se divorciara de Weichafe, este autor expresaba en cada una de sus letras escenarios oscuros, decadentes, pesimistas, y todo ese espectro de emociones que simplemente una DEPRESIÓN puede reflejar. Ya con sus temas del “Harto de todo” (Último disco de Weichafe) reflejaba la necesidad de alejarse de todo lo que lo rodeaba, todo eso que lo había conducido a un decadencia espiritual suprema, pero sin embargo, le daban un toque especial a las canciones. Es necesario hablar de la vida pre- Calaveras errantes vol.1, puesto que en el disco se hace referencia a esto.

Angelo Pierattini y las calaveras errantes Vol.1 es un disco editado el 2008 por Oveja Negra y producido netamente por Pierattini. El viaje por sus 15 temas es un espectáculo de sonidos nunca antes visto en la carrera de Angelo. La participación de las “calaveras” en cada tema, su influencia en el disco se nota intensamente. La incorporación de una Viola en la mayoría de las canciones interpretada por “Isa Calavera” es uno de los sonidos que hace que este disco sea único en la carrera de Pierattini, además de la incorporación de sintetizadores, pianos y elementos de percusión, un acierto para enriquecer las baladas-rock nacionales.

Cada uno de los temas que se reproducen en el disco se pueden posicionar en un periodo de post- ruptura, en un periodo de profunda reflexión.

“Tantas melodías” es una declaración de amor, pero al estilo que solo un músico puede sentir. “Patria mal querida” es el tema de los des-adaptados, victimas de las cadenas de juicio y moral dictadas por personas que nosotros mismos elevamos a los cielos, tal como “…las nubes bien vestidas del terror…”, expresadas en la letra de esta canción. “Angel del Tambor” es el relato de un encuentro fugaz entre un ángel y “…un loco más”; lo interesante de este tema es su melodía, y la variedad de instrumentos que la componen. Un sonido nuevo para Pierattini, que se agradece. El tema “dedo acusador” es un llamado de atención a aquellos que siempre se fijan en lo que son los demás, a lo que Pierattini contesta con un “…revelame la moral; que construye todo no normal; a ver si encuentro algo más; que desprecie y me haga olvidar su gente y su afán…”. “…catorce días después; yo reapareceré; y tu solo me verás; en sueños de onda radial…” el quinto tema del disco tiene una pregunta como título “¿y si existiese un parque oscuro donde los muertos se carguen de invisibilidad?”, es simplemente una advertencia, de regreso, inspirado por las calaveras errantes, quienes lo traerán con su nueva música, casi una profecía.

Sin duda una balada que se puede apreciar en una tarde fría, acompañado de una taza de café luego de haber enfrentado al más profundo de tus miedos, eso es “Quema y sana”, un respiro, un regreso a los orígenes, para poder seguir de pie, para aguantar toda la mierda del día a día.

Al llegar al “espía azul” nos damos cuenta de un quiebre emocional en Pierattini. Desolación pura, falta de vitalidad. La melodía lenta y cortada le da la gravedad necesaria al tema para impresionar y da la atmósfera apropiada para sentirse apartado, y deseoso de la interacción persona-persona.

¿Cuánto tiempo haz estado recordando a alguien muy especial? “pegado al televisor” y “alma deja llevarte hasta el sol” muestra las dos caras de la misma moneda, lo enfermizo que puede resultar recordar a una persona amada, y lo esperanzador que puede resultar de eso, desde una mira épica.

“Palabras rotas” es la antesala de una nueva evidencia de la constante depresión de la que se alimenta Pierattini para componer su música. “mi placer está condenado” es una luz fugaz de eso que todos hacemos “…converso con eso que no se que es; quiero que me dejes quiero estar bien”. Nota para mí: dejar de escuchar las voces dentro de mi cabeza.

El plato fuerte de este disco, desde la humilde opinión de quien escribe, es el tema que suena a continuación. “tontos bichos de hoy” es el tema insigne de este disco, es todo lo que representa la ruptura de Pierattini con su vida anterior, dejar todo atrás, olvidar a aquello que no eran “puros”, pasar a una nueva etapa en la vida. Abrazar a la soledad como fuente prístina de inspiración. Emprender un viaje místico, a los inicios, al cascarón, a la inocencia, para alejarse de todo aquello que se pudrió y que lo tenía gritando que estaba harto de todo. Y no es al encierro este viaje, como lo divulgaba en Weichafe, sino que con aquellos con los que se siente cómodo, con las calaveras errantes. Sonidos sin nombres cargados de esa frescura, esa que solo la muerte, tras dejarlo todo, puede dar. (Si me preguntan, es una paradoja digna de análisis freudiano)

Sabiendo que “desdeñoso” no es un tema propio, Pierattini se ha encargado de que se le vincule al momento de ser oído. Quien acompaña a las calaveras errantes se ha apropiado de tal forma de este tema que su esencia está en toda la letra de la canción. Un mandar todo a la chucha, eso representa “desdeñoso”.

El tema instrumental “en medio del mar” viene con una pequeña letra incluida en la carátula del disco, un poco para que quien escucha pueda transportarse a la decadencia emocional del autor:

“miro hacia fuera

Luces tristes iluminan las calles,

Esas calles, las que están ahí,

Esperando por nosotros

Ahora solo quiero

Llegar a dormir

La noche se detuvo

En medio del mar”

No hay nada más que decir con respecto al tema.

Solitario, Pierattini interpreta el último tema de su disco, “voces por sobre las nubes”. ¿Qué pasa cuando quieres huir del pasado y no sanarlo? Simple, quedas parado en la esquina de los tiempos. La soledad, más que una amiga te consume hasta que tus huesos no pueden soportar la brisa de los recuerdos.

1. Tantas Melodias
2. Patria Malquerida
3. Angel Del Tambor
4. Dedo Acusador
5. ¿Y Si Acaso Existiese Un Parque Oscuro Donde Los Muertos Se Carguen De Invisibilidad?
6. Quema y Sana
7. Espia Azul
8. Pegado Al Televisor
9. Alma Deja Llevarte Hasta El Sol
10. Palabras Rotas
11. Mi Placer Esta Condenado
12. Tontos Bichos De Hoy
13. Desdeñoso
14. En Medio Del Mar
15. Voces Por Sobre Las Nubes Blancas

Descarga acá

By Mota, amigo pilsenero de Crossfire

Van Der Graaf Generator - Trisector 2008

2009-03-14T19:43:00.000-07:00

Van der Graaf Generator fue uno de los grupos más importantes del rock progresivo inglés de los años 70. Fueron los primeros artistas que firmaron para la compañía Charisma Records. La banda alcanzó un considerable éxito en Italia.
Las principales características de Van der Graaf Generator (VdGG) eran la combinación de la voz dinámica de Peter Hammill y los saxofones tratados electrónicamente de David Jackson, generalmente sobre pistas de diversas clases de teclados . Los discos de VdGG tendieron a ser de una atmósfera más oscura que otros grupos de música progresiva (un título que compartieron con King Crimson, cuyo guitarrista, Robert Fripp, aparece en dos de sus álbumes), aunque los solos de guitarra son una excepción en vez de una regla.
Hammill era el principal letrista del grupo y, a menudo, la línea entre la música escrita para su carrera de solista y para su banda era difusa.
El nombre del grupo está basado en un equipo eléctrico diseñado para producir electricidad estática, el "Generador Van de Graff" . El nombre fue sugerido por uno de los primeros miembros del grupo, Chris Judge Smith. El error ortográfico fue accidental.

Fuente: Wikipedia

Tracklist

1. The Hurlyburly (4:34)
2. Interference Patterns (3:49)
3. The Final Reel (5:47)
4. Lifetime (4:43)
5. Drop Dead (4:44)
6. Only in a Whisper (6:43)
7. All That Before (6:26)
8. Over the Hill (12:26)
9. (We Are) Not Here (4:04)
Total Time: 53:16
Line-up:
- Hugh Banton / organ
- Guy Evans / drums
- Peter Hammill / vocals, guitar, piano

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Kiss - Symphony: Alive IV

2009-03-09T12:16:00.000-07:00

Aprovecho mi fanatismo ante la inminente llegada de Kiss a Chile en sólo 25 días para subir la última obra maestra en lo que a show se refiere. A esta altura del partido, todos sabemos que Kiss más que una banda de rock & roll, es una verdadera corporación musical, una empresa de rock, un producto de marketing, lo que quieran. Pero es innegable que Gene Simmons y Paul Stanley, los cerebros detrás de las máscaras, siempre tienen la habilidad para sorprender con algo inusitado, siempre tienen un As ganador bajo la manga.
Contrariamente a la descafeinada intentona sinfónica que protagonizaron Metallica hace unos años, donde la orquesta iba por un lado y Metallica por otro, “Kiss Symphony” resulta ser un producto muy apto tanto para aquellos incipientes nuevos fans de KISS como para los fanáticos de toda la vida que se tatuan los conocidos maquillajes de la banda en su cuerpo.

Kiss sorprende en la originalidad del esquema con que encararon este doble CD, que además sirve de celebración para la existencia de los 30 años de la banda. Dividieron el concierto en 3 actos; el Acto Uno incluye 6 temas en un formato de concierto de rock tradicional, con guitarras fuertes y mucha electricidad. “Deuce”, un ovacionado “Strutter”, “Let Me Go Rock N’ Roll”, un felizmente recuperado “Lick It Up”, “Calling Dr. Love” y un explosivo “Psycho Circus” con un Stanley especialmente elocuente que arenga al público soltando “esto esta siendo grabado”.
El Acto Dos presenta 5 canciones en formato "unplugged", más el ensamble de ciertos integrantes de la orquesta, más el director David Campbell. Así la banda se despacha estupendas versiones de 'Beth', 'Forever', 'Goin' blind', 'Sure know something' y la totalmente inédita en vivo 'Shandi'. Por los tracks elegidos, este segmento representa la gema medular del álbum y el ambiente que crean los 4 enmascarados es totalmente conmovedor, pareciera que estuvieran tocando en el living de su casa, con la pequeña excepción que en el Telstra Dome de Melbourne, Australia había 80.000 personas. Y es lo bueno de KISS. Serán un negocio, se habrán convertido en una broma para muchos fans, Ace Frehley quizá no está en la banda, quizá no han hecho ningún disco decente en una decada...pero tienen un significado en la vida de cientos de miles personas y en la de ellos mismos, y contra eso no hay ninguna crítica posible. Siempre lo han dado todo.
Pero es cuando comienza el tercer acto cuando realmente la cosa cobra el significado real. Toda la orquesta toma sus posiciones maquillados como la banda (el propio director maquillado también, evidentemente). Abren con “Detroit Rock City” y los arreglos ideados por Campbell son geniales. Respeta las partes mas rockeras y embellece las mas dadas a ser sinfónizadas. “King Of The Nightime World” y “Do You Love Me” quedan algo mas desapercibidas, pero “Shout It Out Loud” queda sobresaliente. Sin embargo, es en un tema como “God Of Thunder” donde la orquesta tiene un trabajo mucho mas elaborado y notable. La maliciosidad de la melodía y la manera en que Simmons enfatiza su propio personaje dan pie a una versión realmente escalofriante.
Similar suerte corre “Love Gun”, el tema insignia de Paul Stanley. La orquesta está muy presente en los momentos de percusión mas relevantes (cuando Criss simula una pistola disparando con su caja). De todas maneras,el momento mas emocionante del disco llega con la meritoria interpretación de “Black Diamond”, otro de los temas que mas se prestan a arreglos sinfónicos. El dramático solo final ejecutado por Tommy Thayer eriza los pelos y los arreglos orquestales para el caos final durante el cual la batería se eleva varios metros por encima del escenario y la pirotecnia aparece por todos lados son espeluznantes.
La mayor sorpresa del disco es, sin lugar a dudas, la fiel interpretación de “Great Expectations”, El fin llega con una curiosa versión de “I Was Made For Lovin’ You” y una interpretación de “Rock And Roll All Nite” que debió acabar con toda la polvora de Melbourne.

En resumen, un disco doble que bordea lo notable, con un gran ambiente que reproduce la emoción de los asistentes esa noche. De hecho es cosa de darse una vuelta por el DVD de este concierto para observar la magnífica performance of the "Hottest band in the World". KISS.

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Nos vemos el 3 de abril.

O - Damien Rice (2002)

2009-03-06T12:32:00.000-08:00

Siguiendo esta extraña atracción hacia el sonido Folk con sus guitarras fogateras, arreglos de ambiente invernal y líricas sentimentales, existenciales, criticas de todo y nada llega a mis sentidos el irlandés Damien Rice, invitado por una demoníaca figura angelical expresión de miedo, alegría y deseo.

Y si el sonido Folk se perfila como una expresión sonora que hace sus armas en pequeños cafés, baretos de tenue luz y audiencia casi indiferente, Damien Rice es una suerte de encarnación perfecta de este perfil.

O es el debuto del compositor y sin una gran producción fue capaz de construir una propuesta que sin diferenciarse notoriamente de otros exponentes del genero pudo posicionarse de manera notoria. Dueño de un registro vocal particular y un estilo que va de la prosa al grito, complementándose perfectamente con la voz de Lisa Hannigan en una complicidad emocional, fue capaz de crear un disco lleno de sentido y emoción.

La emotividad del disco es muy sentimental, son canciones ideales para esos momentos depresivos de encuentro consigo mismo, esa soledad acompañante como un simple disfraz de la necesidad humana del necesitar alguien al lado. En un sentido totalmente contrario son ideales para acompañar “aquellos momentos” de contextos invernales, chimeneas, lluvia, nieve, alfombra, vino y más vino. En este sentido la intensidad de “Delicate” refleja esos momentos de menos a más en intensidad, de lo simple a lo mas complejo siguiendo una línea que pareciera infinita e incomprensible, partiendo suavemente para llegar a un clímax y volver a sentir esa suaves y finas sonidos sonoros de un tentativo fin.

El momento mas intenso y de cierta manera desgarrador del disco llega con “The Blower´s Daugther”. La emotividad en la interpretación del tema, sumados al sonido ligero de la guitarra, el detalle de los arreglos y los finísimos coros de Lisa Hannigan le dan un aura envolvente a la canción, sumado a una lírica nostálgica, deprimente que habla de desesperanza, de rabia contenida, de resignación a una condena impuesta a la espera de una sentencia de libertad que no pasa por la sola voluntad, con una concepción del amor idealista, impuesta, irresistible, que no pasa por una cuestión de decisión si no que de aceptación.

El disco sigue la misma línea y comentar el resto de las canciones no tiene mayor sentido, ya que su sentido va cambiando dependiendo de cómo lo escuches, en que condiciones y con quien lo escuches (inclúyete a ti mismo). Solo rescatar una vez más la belleza de la simpleza, el poder de arrastrar a una fase de hibernación con un par de acordes, de versos y formas de ver las vivencias cuando se trata de sentir. Dolor y felicidad van de la mano, no son mas que momentos o la ausencia del otro pero tenemos la capacidad de construir esos momentos y prolongarlos en el tiempo solo tenemos que querer hacerlo. Parafraseando “amie”, el fin de siglo (etapas) trae un cambio para usted y para mí. No solo es un fin, también es un principio y ese cambio puede ser mejor que lo anterior y la única forma de saberlo es arriesgando.

Los créditos de este comentario están plagados en el mismo, leyendo entre líneas lo veras. De todas maneras gracias fue un disco de esos que llego, sacudió y cobro vida =).

1. Delicate

2. Volcano

3. Blower's Daughter

4. Cannonball

5. Older Chests

6. Amie

7. Cheers Darlin'

8. Cold Water

9. I Remember

10. Eskimo

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Crossfire

TOOL - Ænima

2009-02-23T18:05:00.000-08:00

Muerto... Áspero... Oscuro... Maligno... Rudo... Místico... Experimental... Tribal... Complejo... Hipnótico... Provocador... Paciente... Inquietante... Calido... Metafórico... Relajante... Irreverente... Dañino... Rabioso... Paranoico... Duable... Constante... Cambiante... Progresivo... Vengativo... Denso... Rencoroso... Raro... ...Irónico... Distorsionado... Sorprendente... Preciso... Energético... Hostil... Frío... Duradero... Sorpresivo... Ingenioso... Atrapante... Sofocante... Poético... Perseverante... Potente... Placentero.... Penetrante... Orgásmico... Agresivo... Sicótico... Hambriento... Delirante... Destructivo... Renovador... Apocalíptico... Crudo... Brillante... Opaco... Rítmico... Creciente... Magnifico... Disonante... Extenso... Vacío... Sucio... Rancio... Oculto...Explicito... Desgarrador... Vivo.

INFORMACIÓN DEL ÁLBUM:
Lanzamiento: 17 de Septiembre del 1996
Sello Discografico: Volcano Records
Lista de Tracks:

Link de descarga?
...Pudrete buscandolo en internet!

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Ashram - Shining Silver Skies - 2006

2009-02-20T20:07:00.000-08:00

En esta ocasión nos presentan el armonioso material de los brillantes cielos plateados,que alumbra la grisácea existencia celestial de la actualidad.

Ashram nos trae con sus violines, pianos y cellos todo el calor y la ternura de los arboles, nos llama y nos evoca un bosque, y de espaldas al cielo veremos un claro de copas de arboles este es steps, el comienzo de nuestro paseo por el bosque nos traera sus colores , los recordamos, recordamos los colores del bosque, y nos silenciamos con sweet autoumn que nos llama a seguir con nuestro paseo a y encontrarnos.

Aparecen los colores del dulce otoño , los naranjos carmesís de un atardecer junto a los bosques, solos sin nadie mas que la madera, que ahora hecha violin nos muestra su pasado e historia, nos desgarra con su relato y sonido, como agujas en nuestra cabeza, es doloroso y se despierta con cada respiro y se ve reflejado en nuestros sueños, y los ojos se tornaron grises.

Last kiss es urgente, quizás en lo que ahora propongo, que al poco andar se convierte en una llamada de auxilio del bosque, a sentirlo a que despertemos de una ves y le demos nuestro ultimo beso, junto la señora del bosque pasearemos y tocaremos la cortesa de su madera, y bajo las hojas entonemos nuestra canción, y le demos la bienvenida al techo al gris del brillante cielo, cubiertos por el humo, de un mismo bosque que arde y toma los arboles y se consume igual que nuestras almas ciegas y apagadas.
Salimos del bosque , como un sueño en reversa, en las teclas de un piano conmovedor y acongojado…

Shining Silver Skies" es un trabajo de Ashram editado en Equilibrium Music en Mayo de 2006.
Interpretado por Luigi Rubino como piano & Sergio Panarella como cantante & Alfredo Notarloberti como violin desde Italia y navega entre los estilos Neoclassical & Neofolk & Ethereal y tiene una duración de 44,30 minutos

01. 5 Steps...
02. Maria and the Violin's String
03. Sweet Autumn (part II)
04. Lullaby
05. Il Mostro
06. All'Imbrunire
07. Last Kiss
08. Elizabeth
09. For Each and Every Child
10. Tango para Mi Padre y Marialuna
11. Lady
12. Shining Silver Skies
13. Rose and Air
14. Ultimo carillon

DISCO AQUI

LUCK

In The Court Of The Crimson King - King Crimson (1969)

2009-02-12T08:52:00.000-08:00

La portada nos muestra claramente al hombre esquizofrénico del siglo 21, pero no solo eso, sino que también nos habla de una de las criticas que hace este disco a la sociedad contemporánea, por ejemplo en este trozo: “I talk to the wind, my words are all carried away, I talk to the wind the wind does not hear the wind cannot hear". (Le hablo al viento mis palabras son llevadas, le hablo al viento el viento no escucha, el viento no puede oír)...donde podemos observar que el rostro se deforma para poder ser escuchado, oído, además de sentir el grito, propio del disco, a pesar de su búsqueda de sonidos ocultos, silenciadores, que provocan una atmósfera que separa al hombre de si. En los primeros trozos de "I Talk To The Wind", el hombre correcto le pregunta al hombre moderno ¿donde has estado? - Y el responde estuve allí y estuve allá y estuve en medio de ellos. – en realidad ¿donde esta?, ¿quizás el hombre ya no tiene sentido alguno?

Entonces podemos ver la segunda parte de la carátula este hombre esta completamente ido en una atmósfera alucinógena, flotante, yendo hacia un lugar cósmico, pero vació de soledad y angustia.

En ese sentido Epitaph, es una metáfora del disco, cuando finaliza con: “Confusion will be my epitaph. As I crawl a cracked and broken path If we make it we can all sit back and laugh. but I fear tomorrow I'll be crying, yes I fear tomorrow I'll be crying. (La confusión será mi epitafio mientras me arrastro por un camino rasgado y roto si lo logramos podremos sentarnos y reír pero me temo que mañana estaré llorando. Sí me temo que mañana estaré llorando.”. ¿Será finalmente ese el mensaje del este disco?, creo que no, precisamente porque muestra una mirada que pide socorro, que grita la crueldad, esa que nos conmueve en sueños o en la realidad, de cierta forma el cuadro quiere provocar horror, pero la música dentro, es una estado de belleza que nos anuncia una posibilidad de cambio, todavía existen maravillas en la naturaleza, eso depende de nosotros.

“…Ella es una niña de la Luna reuniendo las flores en un jardín. adorable niña de la luna flotando sobre los ecos de las horas.Navegando sobre el viento en una bata blanca como la leche dejando caer piedras circulares sobre un reloj de Sol jugando a las escondidas con los fantasma del amanecer esperando por una sonrisa de un niño del Sol…”

....fragmento de Moonchild, Album: In the Court of the Crimson King.

Texto por Suso. Gracias SUSO.

Track Listing:

1. 21st Century schizoid man (7:20)
2. I talk to the wind (6:05)
3. Epitaph (8:47)
a) March for no reason
b) Tomorrow and tomorrow
4. Moonchild (12:11)
a) The dream
b) The illusion
5. The court of the crimson king (9:22)
a) The return of the fire witch
b) The dance of the puppets

Total Time: 43:45

Line-up/Musicians

- Robert Fripp / guitar
- Greg Lake / bass guitar, lead vocals
- Ian McDonald / reeds, woodwind, vibes, keyboards, mellotron, vocals
- Michael Giles / drums, percussion, vocals
- Peter Sinfield / words and illumination

Disco Ripeado del original - Mp3: 256

DISCO AQUI

LUCK

Bob Dylan - The Bootleg Series, Vol. 5- Live 1975 - The Rolling Thunder Revue

2009-02-10T09:18:00.000-08:00

Bob Dylan, nacido Robert Allen Zimmerman, (24 de mayo de 1941, Duluth, Minnesota, Estados Unidos) es un cantautor, autor, músico y poeta estadounidense. Es uno es lo cantautores mas prolíficos interesantes y rupturistas del siglo XIX, que comenzara sus primeras lecturas en Rimbaud, Baudelaire, ts elliot, filosofía y interés por el mundo social , fusionando esto en un sonido folk , lejano y errante, furioso y contestatario.

Esto lo podemos ver claramente cuando Dylan apoya a Rubin “huracán” Carter, boxeador negro acusado, injustamente de cometer 2 asesinatos en la noche de un bar, Dylan compuso hurricane, denunciando las injusticias del viciado sistema judicial (y sociedad) norteamericana.

En Dylan, tenemos clásicos himnos de protestas de los 60 como , Blowin' in the Wind' que se convirtió en el himno de los movimientos pacifistas y pro derechos civiles en Estados Unidos. Se dice que la compuso en solo 10 minutos.

El bardo con su arte produce palabras al aire, dulces y fogosas , el juglar de historias y risas que esconde tesoros entre sus líneas, despreocupado referente de muchos que hacen el caminito al costado del mundo, el vagabundo que aún sigue en carreteras con canciones y su sombrero con plumas .

Aun tenemos su figura a un lado de la ruta, - nos espera- trayéndonos poesía, historias , denuncias ....y con que mas , que necesita mas un hombre para , un verdadero hombre vivo y creador; que su harmonica, guitarra y voz, quizás el ultimo bardo del norte, quizás mas que nunca ahora debemos tener en cuenta sus palabras y escuchar la respuesta que sopla en el viento…

¿Cuántas calles debe caminar un hombre
Para que les llames hombre?
Sí, ¿y cuántos mares una paloma blanca
Debe navegar
Antes de que duerma en la arena?
Sí, ¿y cuántas veces las balas de cañón
Deben volar
Antes de que estén prohibidas para siempre?

La respuesta, mi amigo
Está soplando en el viento
La respuesta está soplando en el viento

¿Cuántos años puede una montaña existir
Antes de que esté aseada para mar?
Sí, ¿y cuántos años
Algunas personas pueden existir
Antes de que se les permita ser libres?
Sí, ¿y cuántas veces un hombre
Puede voltear la cabeza
Fingiendo que simplemente no ve?

La respuesta, mi amigo
Está soplando en el viento
La respuesta está soplando en el viento

¿Cuántas veces un hombre debe mirar hacia arriba
Antes de que pueda ver el cielo?
Sí, ¿y cuántas orejas debe tener un hombre
Antes de que pueda oír a la gente llorar?
Sí, ¿y cuántos muertos se requerirán
Hasta que él sepa
Que demasiada gente ha muerto?

La respuesta, mi amigo
Está soplando en el viento
La respuesta está soplando en el viento

DISCO 1 :

1. Tonight I'll Be Staying Here With You
2. It Ain't Me, Babe
3. Hard Rain's a-Gonna Fall, A
4. Lonesome Death of Hattie Carroll, The
5. Romance in Durango
6. Isis
7. Mr. Tambourine Man
8. Simple Twist of Fate
9. Blowin' in the Wind
10. Mama, You Been on My Mind
11. I Shall Be Released

DISCO 2:

1. It's All Over Now, Baby Blue
2. Love Minus Zero / No Limit
3. Tangled up in Blue
5. It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry
6. Oh, Sister
7. Hurricane
8. One More Cup of Coffee (Valley Below)
9. Sara
10. Just Like a Woman
11. Knockin' on Heaven's Door har

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Luck

Sea Change - Beck (2002)

2009-01-29T07:41:00.000-08:00

Un árbol algo extraño mezcla de naranjo y cerezo, con cierta familiaridad a una parra y con aroma a limón. Este árbol se llama Beck y sus frutos son tan diversos como los componentes que dan vida a su producción. Las raíces de este árbol están compuestas por elementos tan dispares como el hip- hop, himnos presbiterianos, indie rock, blues, country, electrónica, en donde la experimentación es una máxima que jamás deja de lado. En esta ocacion no comentaremos acerca de lo brillante de Beck si no que disfrutaremos de su reconfortante fruto: Sea Change.

The Golden Age es el primer mordisco, trozo amargo y melancólico con una lírica nostálgica y un sonido minimalista que se prolonga a lo largo de todo el disco. Si el primer mordisco encanta no debiera desagradar el resto del fruto y The Goleden Age abre de manera sublime el disco, gusta y agrada oír su simplicidad y en ciertos estados puede dejar mas que un nudo en la garganta, para aquello la emulación del viento y un piano que pareciera una cajita musical son sabores precisos para lograrlo.

Paper Tiger es el segundo sabor de este fruto, un sabor cuya base es un suculento sonido de violines sumado a un mas que interesante bajo y una particular guitarra además de que en ciertos pasajes nuevamente toman fuerza elementos sonoros que hacen pensar el disco como una cajita musical, de esas a cuerda que lucían en las casas antiguas, un sonido lejano eso si no primordial pero si se detienen un momento podrán rescatarlo. Guess I´m Doing Fine nos entrega un sonido mas Folk y me hace recordar a Eddie Vedder, no se si es producto de lo condicionado que estoy por Into The Wild pero esta pieza me transporta a la ruta, al horizonte lejano e inalcanzable.

Lonesome Tears sigue fortaleciendo el ambiente nostálgico, melancolía que pretende un quebranto y ciertamente el disco tiene la fuerza para hacerlo. Llego el momento de otro de los grandes momentos del disco y un sabor que fue el más reconocido del disco por la crítica y esta vez tuvo razón, Lost Cause. Una guitarra de fogata y una voz de calle que imagino que paso a un pequeño bar y luego a localidades mas grandes son los componentes básicos para este sabor invernal, una voz que recita de esas causas perdidas, del valor escondido del luchar, del cansancio de tareas utópicas y testarudas cuando se trata del amor.

End of the Day, It´s All In Your Mind y Round The Bend siguen manteniendo la base del sabor de aquel primer mordisco, agregando ciertos matices propios que solo enriquecen la sensación final del paladar sonoro. Sunday Sun comienza a marcar el fin de este sabroso fruto. Son las últimas mordidas algo jugosas, con sonidos de fondo que hablan de cierto grado de experimentación, Little One y Side of The Road son los ultimos sabores, las ultimas mordidas de un fruto inusual, mutante, nostálgico melancólico pero reconfortante.

Tracklist

01. The Golden Age
02. Paper Tiger
03. Guess I´m Doing Fine
04. Lonesome Tears
05. Lost Cause
06. End of the Day
07. It´s All In Your Mind
08. Round The Bend
09. Already Dead
10. Sunday Sun
11. Little One
12. Side Of The Road

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Crossfire

Concierto para clarinete y orquesta - Gerald Finzi

2009-01-26T18:24:00.000-08:00

En la vida no he tenido un ramo de apreciación musical ni nada por el estilo, pero por esta vez me adentrare en la música clásica, empezando con este concierto para clarinete de Gerald Finzi (1901-1956), del cual mucho no hablaré.

Siempre he pensado que la música clásica nos transporta a otra dimensión, ya que habitualmente cuando subo algún disco de rock, me transporta a situaciones, recuerdos, pensamientos, etc., en cambio, cuando se escucha música clásica se genera algo totalmente distinto, que siento como una abstracción de la realidad, tan mística, tan hermosa, que en cierto punto sólo sentimos a nuestra alma liberarse, sin pensar, sólo sentimos.

El primer movimiento (Allegro vigoroso), comienza potente de por si (vigoroso), pero de un momento a otro se vuelve frágil, tan frágil que es como si el sonido de ese pastoso instrumento nos lograra hacer volar, si el lector en ese instante cierra sus ojos, podrá sentir como la mente se borra y el pecho se aprieta de tal modo que genera sensaciones que soy incapaz de describirlas en este momento; luego… todo se vuelve circular, hasta el momento en el que este primer movimiento muere, con una cadencia majestuosamente desgarradora.

Seguimos rápidamente este viaje cuando pasamos al segundo movimiento (Adagio ma senza rigore), en una especie de gran bofetada que nos transporta a un vuelo mas profundo, es un vuelo majestuoso, es un caer del frenesí para subir al cielo y volar ligero, inesperadamente le sigue en un canto desesperado, desgarrador que no se expresar pero que sacan lagrimas, y que en mi cuerpo, genera escalofríos, para finalmente dejarnos en una calma y paz tan melancólica, que nos deja exhaustos.

Finalmente, el 3º movimiento ( Rondo (Allegro giocoso) ), que lo siento como un canto ligero y mágico, que deja atrás la melancolía anterior, y nos regala un banquete a los sentidos, tan…enérgico, tan… indescriptible, tan agresivo, y alegre a la vez… tan ¡bello!, y si lo tengo que describir en una palabra, seria “bipolar”, ya que pasa de estados de agresividad, a calma constantemente para culminar en un gran orgasmo musical.

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el0

The Darkness - Permission to Land (2003)

2009-01-06T07:48:00.000-08:00

Esta banda era la promesa viva del hard rock inglés, los salvadores del rock and roll británico en un fin de milenio en el cual a Inglaterra definitivamente le faltaba rock, de riffs potentísimos que entran en la cabeza e inmedietamente te hacen ir al compás del ritmo, una melodía alegre qué te hace pensar que habrían sido si los Rolling Stones tuvieran los riffs de Angus Young detrás de la muchacha de las 6 cuerdas.

The Darkness es una banda británita de Hard Rock compuesta por Justin Hawkins [voz + guitarra], su hermano Dan Hawkins [guitarra] junto a Frankie Poullain [bajo] y Ed Graham [batería]. Como inspiraciones presentan a Van Halen, Aerosmith, Led Zeppelin, Thin Lizzy, Queen y AC/DC. Osea, algo bueno debía salir de ahí jajaja.
Creo que existen pocos discos donde todos los temas, pero absolutamente todos son obras maestras, y esta es definitivamente la ocasión. Al escuchar un par de temas de la banda tu inmediatamente te impregnas de ese rock n roll perdido, de ese glam/rock setentero y metal ochentero y te hace de forma inconsciente tener que escuchar el disco completo, de lo cual te aseguro que no te arrepentirás. La diferencia es que The Darkness te cuenta la historia de una forma alegra, casi burlezca, como si estuvieran haciendo una caricatura del hair metal de los 80's con cada una de las maravillas que presenta este disco.
Personalmente a los temas de este disco les encuentro una gran influencia de AC/DC y Aerosmith, son temas con un enorme potencial, pero así con un estilo único [repito, lo de el estilo alegre es sencillamente fenomenal]

Han traido el rock clásico de los 70 y 80 al siglo XXI y lo hacen así sin ningún tipo de vergüenza. “Todo el mundo está muy tenso actualmente” dice Frankie, “odio la arrogancia de las bandas que piensan que sus emociones mezquinas son interesantes. Si miras a las bandas de hace 25 años, la gente tiene sonrisas en sus caras. Estamos trayendo esto de nuevo”. NOTABLE !!

El disco comienza con "Black Shuck", un tema que parece cover de AC/DC, una guitarra que hace recordar al mismísimo Angus Young y donde Hawkins demuestra sus grandes dotes de vocalista alcanzando notas muy altas. Con "Get your hans off my woman" la locura heavy metal se desata y en "Growing on me" recién podemos apreciar la verdadera voz de Justin, la cual por lo demás es bien agradable. Volvemos al Hard Rock con el hit, el primer single y éxito "I believe in a thing called love" pegajoso, entretenido, movedizo, adjetivos sobran.. "Love is only a Feeling" es el segundo single del album, es una balada donde ingresan las guitarras acústicas, hermoso tema para bajar las revoluciones. "Givin up" vuelve al riff intenso, "Stuck in a rut" nos recuerda a los mejores tiempos de Steven Tyler en Aerosmith.. "Friday Night" es un tema que le da refrezco al power anterior y que es muy melódico. Ahora en "Love on the rocks with no ice" Justin Hawkins nos sigue demostrando el vozarrón que se gasta, y para terminar "Holding my own" es una clásica balada rockera, ideal para corear con encendedor, antorcha, cigarro, celular y cuanta wea con luz tenga en mano.
Sin duda el virus de rock and roll que esparce The Darkness es contagioso y se queda en el cuerpo por varios días. Vale la pena ser una más de sus víctimas.

Tracklist

1	Black Shuck	3:21
2	Get Your Hands Off My Woman	2:46
3	Growing on Me	3:31
4	I Believe in a Thing Called Love	3:36
5	Love Is Only a Feeling	4:20
6	Givin' Up	3:34
7	Stuck in a Rut	3:18
8	Friday Night	2:55
9	Love on the Rocks with No Ice	5:56
10	Holding My Own	4:58

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by Rytoks

TOOL - Lateralus

2009-01-04T00:53:00.001-08:00

En términos musicales se a dicho que TOOL es una banda de Rock Metal Progresivo que usa como eje en sus creaciones una especie de filosofía llamada Lacrimología, es más, esta misma es creada por la banda en si, se dice que fue a raíz de un libro, inspiración para sus comienzos, "A joyful guide to lachrymology" (Una guía llena de júbilo hacia la lacrimología) de Ronald P. Vincent, en 1949. Donde, supuestamente, como tema principal es que a través del dolor físico y mental, y como resultado, el llanto, se puede llegar a un estado espiritual superior. Pero, ahi que recalcar para esta información, y las siguientes, que es posible que todo sea un pequeño invento, pero importante y significativo, de TOOL. De todas maneras, situar a esta gran banda en algún genero musical, es, algo... inútil.

TOOL... HERRAMIENTA, se podría decir que ese significado abarca todo lo que quiere llegar a ser, y llega a ser, esta banda, regalo del cielo para esta mediocridad de mundo, para los que alguna ves han escuchado y comprendido lo que realmente es esta música. No se puede hablar de un Álbum de TOOL sin poder dejar en claro aquel concepto, y todo lo que implica un solo Track del Álbum, en este caso Lateralus, en si, es solo una pieza del rompecabezas, incompleto, pero perfecto. Misma pieza que se subdivide en 13 piezas más del gran rompecabezas que es esta banda... es más, el orden de los Tracks de Lateralus aunque pareciera estar ordenados en relación al clímax que se va adquiriendo mientras se escucha el Disco, puede modificarse y obtener un efecto diferente y mejor. Pero bueno, es una de los varios rompecabezas.

Respecto al álbum en si, porque habría que escucharlo? primero y único, ese "porque" no debería de existir... es necesario, no exagero al decir que es un regalo del cielo, cada track esta compuesto de una mística única, es un disco perfecto, del primer al último segundo, arquitecticamente perfecto... y más.

De una disonante belleza, llena de ira y rabia enriquecedora, sofocado de pasajes infinitos y armoniosos. Este Álbum, en general a TOOL, no lo recomiendo para escuchar en el mp3/4 como fondo mientras uno va y viene hacia algún lado, la composición musical es tan arrolladora que te envuelve y ocupa todos tus sentidos y te perderás en ella... y podrías morir atropellado por no prestar atención XD. Es para sentarse... escuchar a un volumen un poco más de lo permitido... apagar la luz... tus ojos... y dejarse llevar, con este álbum es demasiado fácil perderse en ese rompecabezas... donde los brazos son la Guitarra (Adam Jones), las piernas son el Bajo (Justin Chancellor), el tronco y base son la Batería (Danny Carey) y la cabeza, mente y pensamiento son letra y voz (Maynard James Keenan)

Para mí, este álbum, y el Ænima, reafirmaron mi forma de ver las cosas, de vivir las cosas, hay que sentir la vida completamente, en su máxima expresión, de extremo a extremo. Crecí con lo que me dijo mi viejo "El dolor es para que duela", claro que me lo dijo por decir algo, cuando pendex y me había raspado fuerte contra el cemento, pero tenia razón, de que sirve vivir si después no quedan restos de aquello? alguna marca, algo? nada?, al final no se vivió, fue algo muy superficial, insignificante y sin importancia... solo una ilusión. Si va a doler tiene que doler hasta desear morir, sentir ese sabor de la vida, ser feliz tanto que uno podría morir en ese instante sin arrepentirse de nada, eso es vivir. Sentir esa brisa de primavera? No... Mínimo la fuerza despiadada de un Huracán, que te ponga la piel de gallina, que te haga lagrimar de miedo, o de emoción... que te haga recordar que estas vivo.

Y todo eso TOOL lo expresa magistralmente en la Batería, Bajo y Guitarra, y para hacer las cosas más fácil, e incluso confundirnos y hacerlo más difícil, con una lírica increíblemente salida del de los sentimientos más profundos que pueda el humano llegar a sentir y soportar.

LATERALUS... Ænima, su Obra anterior, en muchos aspectos músicales llega a ser mejor, pero Lateralus tiene algo especial, que lo hace único, no es simplemente composiciones musicales de una Bateria, Bajo, Guitarra y voz, es... algo más... tiene vida propia... circula y gira como espiral... y no se detiene en el último track, lo escucharas y tendras que volver a escucharlo, siempre quedaran restos nuevos que no habias visto ni sentido ni saboreado. (porque "escuchar" es muy poco para sentir completamente a Lateralus).
Te dejará con la boca abierta.

...y porque?

Porque tu alma querrá salir de tu carne, mísera y aburrida. TOOL la hará despertar, se pondrá anárquica ante ti, rebelde ante ti. Se dará cuenta de que contigo... simplemente... no a vivido.

INFORMACIÓN DEL ÁLBUM:

Lanzamiento: 15 de Mayo del 2001
Sello Discografico: Zoo Entertainment
Lista de Tracks:
01 - 0:08:36 - The Grudge
02 - 0:01:04 - Eon Blue Apocalypse
03 - 0:07:13 - The Patient
04 - 0:01:12 - Mantra
05 - 0:06:03 - Schism
06 - 0:03:04 - Parabol
07 - 0:06:03 - Parabola
08 - 0:08:10 - Ticks & Leeches
09 - 0:09:24 - Lateralis
10 - 0:04:46 - Disposition
11 - 0:11:07 - Reflection
12 - 0:08:46 - Triad
13 - 0:02:39 - Faaip De Oiad
Bonus Track [No incluido en el Flac]
14 - 0:00:54 - Opium for Breakfast

DESCARGAS:

Este Álbum, y todo sobre TOOL recomiendo que sea original. El Arte de sus caratulas, el audio y el video que TOOL a plasmado en sus Obras si... tiene... precio.

Average bitrate: 884kbps
Sample Rate: 44100Hz
Compression Ratio: 62%
Channels: 2
Bits per sample: 16
Formato: Free Lossless Audio Codec File [Flac]
Total Size: 462MB
Partes: 1/5 - 2/5 - 3/5 - 4/5 - 5/5

Average bitrate: 192kbps
Sample Rate: 44100Hz
Audio: Stereo
Formato: MPEG-1 Layer 3 [Mp3]
Total Size: 110MB
Partes: 1/1

Sample EP Schism DvDRip
Dimensión: 720x480
Formato: MKV MPEG4 Video (x264) 23.98fps 2500kbps
Audio: Dolby AC3 48000Hz stereo 192Kbps
Tamaño: 149 MB (157.133.248 bytes)
Subtítulos: Lyric Ingles + Castellano en .rar (.srt)
Partes: 1/2 - 2/2

Sample EP Parabola DvDRip
Dimensión: 720x480
Formato: MKV MPEG4 Video (x264) 23.98fps 2500kbps
Audio: Dolby AC3 48000Hz stereo 192Kbps
Tamaño: 199 MB (209.618.452 bytes)
Subtítulos: Lyric Ingles + Castellano en .rar (.srt)
Partes: 1/3 - 2/3 - 3/3

Para los que buscan información sobre la secuencia opcional de los Tracks en Lateralus puede descargar el siguiente archivo de texto donde un compañero, mortal, como nosotros, une algunas piezas, y, con un resultado muy interesante. Imperdible!: Tool y Fibonacci.

Y si te gusta el Arte Humano de TOOL, busca a Alex Grey.

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Into the Wild - Eddie Vedder (2007)

2009-01-03T12:16:00.001-08:00

Debut en solitario de la leyenda del Grunge y QUE DEBUT. Into The Wild es la banda sonora una película llamada de la misma manera y dirigida por Sean Penn. A esta altura ya no se cual de las dos connotaciones del mismo titulo me gusta más (si no ha visto la película tiene dos opciones: darse un tiro o bajarla ahora del blog del zombi: Into The Wild DvDRip).

Siguiendo la línea de la película para el cual fue creado el disco, el disco es un viaje, con el sonido de una guitarra de madera casi milenaria, carreteada, sucia, rallada, quizá con una cuerda menos pero que pese a todo suena perfecto para la ocasión. Pero no solo luce una trastocada guitarra si no también el sonido algo minimalista de instrumentos propios del folk que subyace a lo largo del disco. Temas cortos en su mayoría que dan la sensación de ir ni siquiera caminando, es un flotar por la carretera entre dos ciudades en las que simplemente no hay nada y también hay todo, un mundo por descubrir. La obra maestra comienza con Setting Forth, tema en el cual queda claro que la calidad vocal del autor es digna de reconocer y es el punto de partida para pasar a verdaderos quiebres como lo son No Ceiling, Far Behind, Rise y Long Nigths. Es en Rise cuando el sonido Folk suena exquisito y se lamenta la corta duración de la canción. Tuolumne es la transición para las dos bombas que posee el disco y que son los únicos dos temas que superan los 3 minutos de duración, se trata de Hard Sun y Society. Hard Sun con un sonido un poco más rockero y con criticas a la forma de ver la vida como esta:

Once I dug an early grave
to find a better land
she just smiled and laughed at me
and took her rules back again.

Pero si hablamos de critica y acción, lejos el mejor tema del disco por lo poderoso de su aura y la profunda respuesta a la imposición de patrones de comportamiento es “Society”, una apología a la resistencia interna y la lucha simbólica que dan miles por caminar al costado del mundo.

Society, you're a crazy breed
Hope you're not lonely without me...
Society, crazy indeed
Hope you're not lonely without me...

Society, have mercy on me
Hope you're not angry if I disagree...
Society, crazy indeed
Hope you're not lonely without me...

Track List

01. Setting Forth
02. No Ceiling
03. Far Behind
04. Rise
05. Long Nights
06. Tuolumne
07. Hard Sun
08. Society
09. The Wolf
10. End Of The Road
11. Guaranteed.

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Crossfire

Héroes del Silencio - Avalancha [1995]

2009-01-02T19:23:00.000-08:00

Hago mi primer tema en este blog con el cuarto disco de una de mis bandas favoritas.. HEROES DEL SILENCIO. Esta banda, qué es considerada una de las 3 más grandes en la historia del rock español, es liderada por Enrique Bunbury [voz] y Juan Valdivia [guitarra]. Es increible la popularidad que alcanzaron los Héroes del Silencio en sólo 10 años de carrera, creando cuatro discos de estudios majestuosos, de los cuales "Avalancha" es el cuarto.

La escencia de los Héroes es la mezcla de sonidos rockeros que nos hacen recordar los mejores tiempos del Hard Rock de bandas como Barón Rojo con una suavidad en las guitarras qué te hacen trasladarte a la orilla del mar y sentir una relajación digna de una bella melodía.

Todo comienza con "Derivas", una pequeña intro muy suave que es muy necesaria para la potencia que se aproxima. Tras esto viene un trío de temas muy intensos "Rueda, Fortuna!" [Que es un autentico pelotazo de rock duro al cerebro], "Deshacer el mundo" y luego "Iberia Sumergida", una canción hecha con clase, donde el maestro Juan Valdivia demuestra porque es considerado el mejor guitarrista de la historia de España. Luego viene "Avalancha" otro golpe al buen Hard Rock para luego llegar a la hermosa balada "En brazos de la Fiebre" donde tenemos el clima perfecto para sumergirnos en el ambiente íntimo de esta canción melancólica. "Parasiempre" continua afirmando la gran solidez que se demostraban en los temas anteriores. Para volver a la tranquilidad llega una obra maestra, la balada más majestuosa jamás escrita por esta banda, una carta de amor de Bunbury hacia su novia, hablamos de "La Chispa Adecuada" que te envuelve entre sus metáforas. "Días de Borrasca" y "Morir todavía" son temas muy completos que recuerdan mucho al Héroes de fines de los 80 y principios de los 90. Seguimos con "Opio", otra de las joyitas de esta banda mezclando una elegancia envidiable, pero sin perder la fuerza, esos riff potentes que caracterizan este disco. Finalizamos con una hermosa balada "La espuma de Venus".
Definitivamente podemos decir que con este último disco de la banda, los Héroes rompieron el silencio.

Tracklist
1.- Derivas
2.- Rueda, fortuna
3.- Deshacer el mundo
4.- Iberia sumergida
5.- Avalancha
6.- En brazos de la fiebre
7.- Parasiempre
8.- La chispa adecuada
9.- Das de borrasca
10.- Morir todavía
11.- Opio
12.- La espuma de venus

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Éste disco está en el puesto 35 de los 250 mejores discos de todos los tiempos del rock iberoamericano.

by Rytoks

El cruce - 770

2009-01-01T19:49:00.001-08:00

Este nuevo año lo empezaremos a todo blues con el 4º discazo de la banda chilena "el cruce" (el eslabón perdido del rock and roll en Chile) y como adelanto para los que asistirán a la cumbre del rock chileno o a la renga, espectáculos en el cual este grupo estará presente.

Emprendiendo el viaje con "A encender el blues" una canción pegajosa de por sí, y que pide a gritos una cerveza para acompañarla, seguimos con "Mapuche" un tema con critica social, y a la vez con esencia blusera hasta los huesos, que causa un afecto especial para quien lo oye, ya que estamos tan acostumbrados a escuchar blues argentino en donde los temas de critica social cantan a su país, y sus injusticias, que al escuchar blues relativo a las injusticias al pueblo mapuche es hasta cierto punto una experiencia sublime. Luego seguimos con el toque humorístico que lo da el tema "me gustan todas" -tema que dedicaría a varios pastelitos que conozco por ahí- " me tienta el vicio el blues y la comida, pero más me tienta una mujer" les dice todo.

Aunque si usted desea dedicar una canción a alguna dama , "me tienes loco" es la adecuada, ya que es un tema con el estilo, letra, y composición –e interpretación - perfecta, ya que el blues creo que a muchos nos hace vibrar, y a mi parecer, que este tema sea dedicado a una mujer sacara más de un suspiro.

Otro punto importante acerca de este disco es que carece de hilo conductor, y eso queda claro con el tema "Todo se devuelve" el cual tiene un aire de reggae mezclado con blues, mezcla que a mi parecer queda bastante bien, o mejor aun " se siente" bastante bien, sin embargo hasta cierto punto solamente, porque a la vez de ser un tema pegajoso, buen ritmo, etc. etc., la letra del tema llega, y llega fuerte - pero sobre eso no haré comentario, porque usted deberá escucharla para entender de lo que hablo- .

En fin este disco es 100% recomendable, ya que si bien no tiene un concepto claro ni hilo conductor – cosa que no es reprobable en ningún aspecto- y a la vez cumple su objetivo, ya que primero que todo su calidad es excelente, esta lleno de alma, y nos proporciona buen blues nacional (y no lo digo por el típico "Si es chileno es bueno", si no por que realmente lo es, y no tiene nada que envidiarle a renombrados grupos de blues argentinos -que mal que mal están adelantados a años luz a lo poco de blues nacional que contamos)… asi que no queda más que comentar sólo ¡disfrutenlo!.

tracklist:

1. A encender el blues
2. Tengo un montón de plata
3. Mapuche
4. Me gustan todas
5. Todo se devuelve
6. Me tienes loco
7. La vida al revés
8. Hasta siempre pueblo lindo
9. Situación de calle
10. Billetera o puñalada
11. Sexoul

LINK DE DESCARGA

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David Sylvian - Secrets Of The Beehive -

2008-12-25T19:04:00.000-08:00

David Sylvian artista ingles ex - vocalista de japan en otra era, en la olvidada época del glam rock - nos regala este hermoos disco, muy bien elaborado y que deja los sentimientos y las imágenes a contra-luz dela belleza que podemos encontrar en su voz y su musica, si porque el atributo dela voz de Sylvian es inigualable, y lo utiliza con maestria para expresar; melancoia y nostalgia , alegría y esperanza, en una suerte de agri – dulce dejo de su extravagante voz, que acentua el sabor melancolico de su trabajo. Compositivamente sylvian se luce trayendonos un disco conceptual, evocador y de una bellaza superlativa , “September” de entrada nos propone esa, imagen apropósito de su oficio de fotógrafo y poeta delos cuales nutre su música..

"The sun shines high above
The sounds of laughter
The birds swoop down upon
The crosses of old grey churches
We say that we’re in love While secretly wishing for rain
Sipping coke and playing games

"September’s here again, September’s here again"

David Sylvian es uno de los solistas mas introvertidos y hermeticos que a dado la musica contemporanea, donde nisiquiera sus mas aserrimos seguidores entienden algunos topicos, que solo para el son legibles ( y el escucha que tiene los ojos abiertos), en cierta ocasion Sylvian, comento que su arte era como : “Mi música es como estar solo en mi habitación contigo mismo. Es introspectiva de una manera tal que hace sentirse a algunas personas muy mal a gusto. La clase de gente que inmediatamente enciende la televisión cuando se encuentra sola no disfruta con mi música, los hace sentirse terriblemente incómodos"

En otras palabras Sylvian lo sabe, lo sabe y te pega de la manera mas cruel, usando su maravilloso instrumento (su voz) para retorcernos en una ola de melancolía y aveces agonia, y nos invita a montar en su barco – el de la melancolía - y a navegar por los terrenos mas dulces y amargos de ese mar , y no tan solo para navegar sin rumbo, sino que a veces su puerto se vislumbra y pareciese que se puede ver, y es mas bien esperanzador, pero no realmente se articula en un devenir totalmente infausto proponiéndonos un aciago y tormentoso futuro - fin .

La musica de sylvian como bien comentábamos en la introducción, se propone desde – poetica y musicalmente hablando - desde la observación y el descubrimiento de la realidad dándole significado a las cosas mas sencillas – como una simple escena donde juegan niños , o el venir del otoño, que sin embargo son las mas complejas y bellas - , dándole una nueva dimensión, y nos la presenta como una nueva realidad, lo que es en difinitiva el significado de todo arte,, el de descubrir la belleza, de poder ver ese instante de belleza que todas las cosas las poseen, de sentir el mundo en que estamos inmersos…

No entran ni en cien mil artículos las palabras para tratar de entender a Sylvian, un músico imposible de encasillar, como todos los que son únicos. Disfrutenlo y naveguen....

All tracks composed by David Sylvian unless otherwise noted

"September" - 1:17
"The Boy With the Gun" - 5:19
"Maria" - 2:49
"Orpheus" - 4:51
"The Devil's Own" - 3:12
"When Poets Dreamed of Angels" - 4:47
"Mother and Child" - 3:15
"Let the Happiness In" - 5:37
"Waterfront" - 3:23
"Forbidden Colours" (1984 version - bonus track on certain editions) (Sakamoto, Sylvian) - 6:01

The 2003 remastered edition of the album has the song "Promise (The Cult of Eurydice)" replacing "Forbidden Colours".

Total Time: 40:31

Line-up/Musicians

- David Sylvian / organ, synthesizer, acoustic uitar, piano, arranger, vocals, tape, mixing assistant, assistant producer
- Mark Isham / trumpet, Flugelhorn
- Steve Jansen / percussion, drums
- Phil Palmer / acoustic guitar, slide guitar
- Ryuichi Sakamoto / organ, synthesizer, piano, arranger, string arrangements, woodwind arrangement
- D. Thompson / double bass
- Danny Torn / acoustic & electric guitar, guitar Loops

Releases information

CD Virgin 2471 (1987) / CD Virgin 90677-2 (1990) / CD Atlantic 90677 (1990) / CS Virgin 90677-4 (1990) / CD Virgin V2-86028

DISCO AQUI

LUCK

Nine Inch Nails - Live in Chile (2008)

2008-12-22T13:50:00.000-08:00

Damos inicio a una nueva experiencia paradisíaca, los conciertos en los cuales alguno de los mortales que plasma sus experiencias acá haya vivo.

Y el fruto inicial será este alucinante concierto dado por Reznor y compañía, un genio no solo de la música, si no que de la noción de espectáculo que tiene ya que ver a NIN en vivo simplemente es de otro planeta, el tipo lo deja todo y es una propuesta audiovisual que simplemente deja atrofiado a todos los que ven el concierto.

No entrare en detalles acerca de la condición en la que entre a la Arena Santiago aquel 4 de Octubre, solo diré que fue en la justa medida de los sentidos. El concierto comenzó con la parejita que inicia su ultima placa llamada Sleep, me refiero a 999,999 y 1, 000,000 en lo que ya se avizoraba un recital largo e intenso. Detalle no menor, es mas gran detalle que marca los conciertos de NIN es su propuesta audiovisual, efectos de luces notable y un sonido perfecto dan el marco perfecto para un viaje infartarnte. La banda parecía que tocaba tras un biombo y el fondo cambia a medida que comenzaba un nuevo tema, asi pasaba el biombo, las luces industriales, ciudades industriales uff todo perfectamente sincronizado y pensado para la temática de cada tema.

Letting You, Dicipline, March of the Pigs y Piggy fue la otra tanda, un tema tras otro eran coreados por un publico que sabia a lo que iba, energía, rabia, critica y crudeza. No se trata de comentar un disco de NIN, acá es la experiencia NIN, un tipo que en un momento del recital en la interacción constante con las luces y los efectos especiales se corta el brazo y haciendo caso omiso a su herida seguía saltando, cantando y tocando como si la sangre que corría por la herida no existiera.

The Frail y The Wretched para bajar algo los desibeles en un ambiente más intimo, para luego lanzarse con toda la experimentación de Head Down y pasar a uno de los momentos más intensos de la noche; Closer, que mezcla de energía, ritmo y desquicio.

La noche avanzaba y cada vez cobraba más protagonismo los efectos, donde cada ves te podía sorprender el paso de un tema a otro. Una foto de Bush la cual iba mutando poco a poco hasta transformarse en Mccain; un claro mensaje…SON LA MISMA MIERDA. Luces y sombras en distintas tonalidades que mostraban el tono sombrío de la propuesta de NIN.

Nota aparte es cuando comienza a borrar la pantalla gigante con un haz de luz, acto ante el cual todos ya no podíamos creer lo que veíamos, las ondas que pareciera que traspasaban a la banda. Ya estábamos en otro mundo. Resumiendo un concierto que nos dejo completamente satisfechos esperando ver tamaño show una vez mas, caminando hacia nuestros destinos aun atolondrados después de Zero Zum que fue el ultimo tema. Caminando y mirándote con la persona que estaba a tu lado mirándose con esa complicidad de; SI WN LO VIMOS ESTUVIMOS ACÁ.

Aquí el audio. Póngale oído a Dicipline, Closer y Hurt especialmente… aunque tiene muchos temazos.

Los frutos.

1- 999,999

2- 1,000,000

3- Letting You

4- Discipline

5- March of the Pigs

6- Piggy

7- The Frail

8- The Wretched

9- Head Down

10- Closer

11- Gave Up

12- Corona Radiata

13- The Warning

14- Vessel

15- Pinion

16- Wish

17- Terrible Lie

18- Survivalism

19- The Big Come Down

21- 31 Ghosts IV

22- The Hand That Feeds

23- Head Like a Hole

24- Encore Break

25- Echoplex

26- Reptile

27- Good Given

28- Hurt

29- In This Twiligth

30- Zero Zum

PARTE 1

PARTE 2

MI ENTRADA =)

Crossfire

Steven wilson - Insurgentes - (2008)

2008-12-14T16:07:00.001-08:00

Wilson habla sobre el disco y su produccion..
Perfecto, vamos a empezar con esta… ¿Por qué llamar a tu álbum solita Insurgentes?

Bien, todo el proyecto era hacer algo internacional, pero toda la idea era hacer no sólo un álbum y ya, sino una película mientras viajaba y hacía algo de música acompañado de los directores y fotógrafos y el objetivo principal era hacer un documental… una “road movie” algo surrealista y extraño sin duda alguna.

Y uno de los lugares que decidimos entre todos para llevar a cabo esto fue México. No miento, todo lo que grabamos en México es lo mejor, es nuestro material favorito y lo puedes ver en el libro, la mayoría es en México.

Puedo mencionar a CU, Xochimilco, en, muchas, muchas locaciones son en México. En verdad todos caímos rendidos ante la influencia de un país como México y eso se puede notar en la música. De hecho la canción que da título el disco fue grabada en un templo en una iglesia…mmm perdóname un segundo, pero ¿cuál es el nombre de la iglesia?

-El Ex Templo de Santa Teresa-

Sí, la grabamos durante toda una noche.

La razón principal por la que titulé así a Insurgentes es porque si tú recorres la Ciudad de México verás esa palabra escrita todo el tiempo y yo no sabía por qué, hasta que pregunté y me respondieron que era la calle más grande de ésta ciudad. Y porque el verdadero significado de Insurgentes es rebelión, una sublevación ¡un levantamiento! Y esa es la manera en la que yo me veo e identifico como músico, poco convencional, en esta era en todo parece estar regido por “American Idol”, Mtv.

Aún gente como yo que se interesa en hacer música fuera del “mainstream” en donde hacemos discos y música porque pensamos que es arte, lo cual es una actitud poco vista y valorada en estos días. La inmensa de la música actual está vista como un producto, entretenimiento, algo soft. Pero sí aún crees o se cree que la música es arte… es algo poco convencional. Pero vamos, aún hay músicos, ya que no soy el único ni así me considero, que se interesan en hacer música por hacer arte como…Explosions In The Sky, Sigur Ros, Radiohead y somos un tipo de rebeldes de alguna manera, somos una especia de INSURGENTES de esta era musical que estamos viviendo.

¿Es ir en contra del Mainstream?  

Sí claro, porque si te dejas ir por el Mainstream, él te marcará el camino de qué y cómo debes hacer las cosas y hará especialmente una Biblia como producto. Y sí haces música por ti mismo te darás cuenta que la base de “fanáticos” que te siguen se preocuparán más por lo que escuchan, compran, leen, etc. y valorarán mucho más todo lo que haces. Es algo hecho a la antigua. Así se trabajaba antes, en los setenta por ejemplo- ¿Y ahora? Ahora todo parece ser Mtv, iPod’s, cultura de descarga es poco convencional y hace que las cosas se valoren muy poco y se desechen en poco días.

Así que volviendo a tu pregunta principal. Insurgentes la tomé por el significado y la importancia de la palabra y toda la importancia de una cultura como la mexicana dije ¡perfecto! ¡es perfecto!

Dices que tu película es una “Road Movie” cuéntame ¿quién la dirige?

Es un director que ya lleva mucho trabajando con Porcupine Tree, es un director Holandés llamado Lasse Hoile. Nuestros videos, las proyecciones en vivo, el arte de nuestros discos es hecho por Lasse. Puedo decirte que él y yo tenemos una conexión muy fuerte porque él es un director y fotógrafo que se inspira demasiado en la música y mi música está muy inspirada en el cine. Nuestra conexión viene desde el arte que nos inspira… lejana al mainstream por supuesto.   Viajamos mucho, desde Japón, Australia hasta México y no trabajamos sólo para este disco y los dos tenemos ese lado surrealista, desquiciado, torcido…

En la película podrás ver entrevistas y diálogos con los músicos de Katatonia, Opeth por sólo mencionarte a algunas personas y sentirás el cómo se sientes en ser músicos en esta era y cómo ha cambiado todo en 5 ó 10 años. La película trata sobre el documental de hacer Insurgentes y la segunda parte es una road movie surrealista… muy surrealista. Una tercera parte seria en una forma de conversación con musicos y obtener el sentimiento de lo que significa ser un musico en 2008.

¿Tu grabaste los instrumentos en el disco o tuviste musicos invitados?

Hay muchos invitados, algunos amigos, músicos que conozco por diversas circunstancias, con algunos he tenido la oportunidad de apoyar sus grabaciones. Quiero decir, no puedo grabar todo, no puedo tocar la bateria. Gavin Harrison de Porcupine Tree toco la bateria. Por otro lado está Michiyo Yagi, un músico japonés que hace una música hermosa; música string de los años setenta ¡un sonido increíble! Lo importante de este disco solista, es que me dio la oportunidad de trabajar con músicos y hacer música poco convencional, por ejemplo una orquesta de 25 miembros.

Tracklist:

1. Harmony Korine - 5:08
2. Abandoner - 4:48
3. Salvaging - 8:17
4. Veneno Para Las Hadas - 5:57
5. No Twilight Within the Courts of the Sun - 8:37
6. Significant Other - 4:31
7. Only Child - 4:24
8. Twilight Coda - 3:25
9. Get All You Deserve - 6:17
10. Insurgentes - 3:55

Bonus disc
1. Port Rubicon - 4:24
2. Puncture Wound - 4:18
3. Collecting Space - 5:10
4. Insurgentes (Mexico) - 4:45
5. Untitled - 4:47

Line up:

Steven Wilson - vocals, electric and acoustic guitar, bass, harmonium, electric piano, bass, glockenspiel, drum programming, mellotron,guitar loops,musical box , synthesizer,total fucking noise.
Jordan Rudess - piano (4, 5 and 8)
Tony Levin - bass (5, 6 and 3*)
Gavin Harrison - drums (tracks 1, 2, 3, 5, 6, 7, 9, 1*, 2* and 3*), cymbals (4)
Susana Moyaho - voice
Sand Snowman - acoustic and processed acoustic guitars (2 and 8), recorders (4)
Theo Travis – wah-flute (2), clarinet (4 and 1*), saxophone (1*)
Mike Outram – electric guitar (5 and 8)
Dirk Serries – guitar drones (3 and 9)
Michiyo Yagi – 17-string bass koto (10), 21 string koto (3*)

LUCK

Disco 1
Disco 2

Les Fleurs du Mal - Sopor Aeternus (2007)

2008-12-13T16:26:00.000-08:00

Este disco más que llamarme la atención por su titulo y su música - que por lo demás es de gran calidad -, me llamo la atención la historia de este grupo, que copiare y pegaré de wikipedia

Sopor Aeternus & The Ensemble of Shadows es una banda de Darkwave relacionada comúnmente con la Subcultura gótica, que ha conseguido gran prestigio en círculos especializados, Aunque decir banda quizá no sea del todo correcto ya que está formada por un único miembro humano, conocido como Anna-Varney Cantodea. El nombre "Varney" fue integrado basándose en una novela de vampiros llamada "Varney el vampiro, o el festín de sangre" de 1847 (Varney the Vampire or the Feast of Blood) esto es confirmado por una canción titulada "The Feast of Blood" que incluye en un par de Albums.

Es poco lo que se sabe acerca de Anna-Varney Cantodea, salvo que ha creado un personaje andrógino oscuro y rodeado de misterio, muy acorde con la música del grupo. Anna-Varney se niega a actuar en directo "para seres humanos" y ni siquiera se conoce su nombre real. En las fotos suele aparecer fuertemente maquillado o con máscaras. No realiza entrevistas en persona y sólo las concede si éstas se hacen en condiciones que garanticen su anonimato.

Anna-Varney ha manifestado que crea su música en torno a sí mismo, y solamente para sí mismo. Y en su música trata temas como la muerte, el suicidio, el mal karma, la soledad y la tristeza. También ha demostrado tener un peculiar y oscuro sentido del humor, como cambiar el logotipo de Fruit of the loom "Fruta del Telar" por Fruit of the Tomb "fruta de la tumba" incorporando su cara en el diseño.

Tampoco sabemos mucho acerca del "Conjunto de las Sombras" ("the Ensemble of Shadows") Ana-Varney no suele hablar en profundidad del tema, pero en En varias ocasiones afirmaba que durante casi tres décadas vivió en condiciones extremas de soledad, depresión y desesperación. Una vida torturada y unos sentimientos negativos que provocaron su descubrimiento de estas "presencias o voces sobrenaturales" que consiguieron despertar sus sentidos musicales y le obligaron a compartir con el público las obras que creaba en su cabeza.

Su música es muy emocional y lúgubre, con un estilo que ha mutado y evolucionado disco tras disco, desde la electrónica de sus comienzos al electro-gótico pasando por la música medieval y renacentista. En su música podemos encontrar tanto instrumentos tradicionales como instrumentos de viento (en especial flautas), guitarras, bajos y cuartetos de cuerda, como sintetizadores o cajas de ritmos.

Otro concepto importante para entender tanto la personalidad de Anna-Varney como su obra y su música es su marcado carácter andrógino. Ha jugado en varias ocasiones con la idea de convertirse o ser una mujer, y abandonar la forma masculina en favor de alcanzar la integridad entre lo masculino y lo femenino, pero reniega de someter al cuerpo a cualquier alteración quirúrgica para hacerlo coincidir con el aspecto socialmente aceptado como femenino.

Track List:

01 Architecture (All that's erected are Walls)
02 Always within the Hour
03 In der Palästra
04 A little Bar of Soap
05 Bitter Sweet
06 Our Lady of the Broken Hearts
07 La Mort d'Arthur
08 The simple Joys of Maidenhood
09 Helvetia Sexualis
10 Les Fleurs du Mal
11 Shave, if you love me
12 Some Men are like Chocolate
13 The Virgin Queen

LINK DE DESCARGA PARTE I
LINK DE DESCARGA PARTE II

Y aqui les va un video

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Trash - Alice Cooper (1989)

2008-12-06T18:01:00.001-08:00

Hoy les presentaremos el 12º disco solista del ya más que famoso cantante y pionero en el género del glam rock: Alice Cooper.

Creo que dentro de la biblioteca musical de los amantes de este género, este disco compuesto por 10 temazos no puede faltar, ya que es más que un clásico, y ha hecho historia dentro del Rock, del Heavy, y de la música en general.

Desde el primer tema este discazo toca nuestra fibra más sensible con el tema "Poison", un tema que trata sobre un amor no correspondido, un amor que es tóxico, y que va dirigido a esos amores que deseas acariciar y besar pero es mejor no hacerlo, ya que son veneno para nuestras venas ya que el receptor de nuestro amor más profundo, es a la vez un ser que odias profundamente, lo que como resultado da a un auditor que canta violentamente y casi por instinto " I want to hurt you just to hear you screaming my name " ( quiero hacerte daño sólo para oírte gritar mi nombre).

Rápidamente se nos presenta "spark in the dark" un tema "ardiente" de por si y cargado de pasión. Aunque si hablamos de temas ardientes "bed of nails" es el mas sensual ya que cuando Alice canta "Nuestro amor es una cama de clavos", no hace más que describir lo que se vive en relaciones totalmente carnales, entre seres totalmente diferentes, y si a todo esto le sumamos un riff que engancha y que pone el corazón a mil por hora nos da como resultado un tema notable.

Luego tocamos otra temática... el amor con "house of fire” y " This Maniac's in Love with you" en el cual house of fire se lleva el premio entre los más hermosos, y es a mi parecer el más recomendable para ser dedicado a alguien que se ame.

En fin, un discazo que no puede faltar en ninguna biblioteca musical, porque como dije antes, este es un disco lleno de amor, sensualidad y pasión.

LINK DE DESCARGA

Track list:

1. Poison
2. Spark In The Dark
3. House Of Fire
4. Why Trust You
5. Only My Heart Talkin'
6. Bed Of Nails
7. This Maniac's In Love With You
8. Trash
9. Hell Is Living Without You
10. I'm Your Gun

Aquí les dejo un video:

Poison:

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No-Man - Returning Jesus (2001)

2008-12-01T18:00:00.000-08:00

No-Man - Returning Jesus (2001)

No- man es un una banda conformado por Steven Wilson y Tim bowness, Returning Jesus ya es el cuarto álbum de de este duo y presenta un sonido que va desde el pop hasta las melodías mas viscerales que nos abren vastos espacios abiertos . Podriamos decir que No-Man es pop ambiental muy personal con predominio de teclados, cuyas influencias podrían venir de desde gente como Brian Eno, Talk Talk, Fripp & Eno o David Sylvian.

El sonido se propone desde una perspectiva minimalista, conjugando instrumentos, e invitados de talla mayor, creando subjetivas y hipnóticas ambientaciones en contraste con la baladezca y melodíca voz de Tim bowness dando como resultado sonidos bellos, sutiles, minimalistas y de gran precisión, creados básicamente por teclados. Todo complementado con otros instrumentos como trompetas, pianos flugelhorn, saxos, flautas, sintetizadores, guitarras, bajos, baterías , percusiones, etc.

Returning jesus abre con Only rain (una de las obras maestras del disco) que nos, dice nos habla sobre flujos continuos de agua reflejado en la obstinada sección de cuerdas, bajo la delicada voz de Bowness, en el cual en el minuto 4.55 irrumpe la trompeta como una inundación, un momento de gran expresión uno de los mas álgidos del disco, el cual sigue su flujo , lento pero seguro, rodeándonos, de puros y cristalinos sonidos, tremendamente elaborados, con mucha sutileza bajo la mano de Steven Wilson. Podemos encontrar tremendas elaboraciones de canción tipo "pop" como en "Outside the machine", y" Returning Jesus" como uno de los temas mas íntimos de disco donde el protagonismo de la voz de Bowness se hace notorio.

Lighthouse nos seduce con su sonido candensioso y la intima voz de Tim bowness que nos desnuda con su melancólia, y el gran emotivismo de los teclados de fondo y esa base rítmica muy jazzera a manos de Colin Edwin y Steve Jansen, sin duda Lighthouse es el punto álgido en todo sentido , dando rienda suelta a los sonidos liberadores y expresivos con esa organica sección de hammond donde la voz de bowness alcanza niveles de emotivismo extremas, sobre todo al final del tema.

A disfrutar.. ¡¡¡

Tracklis:

01 - Only Rain 7:24
02 - No defense 5:20
03 - Close your eyes 8:25
04 - Caroline Skeletons 5:08
05 - Outside the machine 5.46
06 - Returning Jesus 5:19
07 - Slow it all down 3:42
08 - Lighthouse 8:12

Players: Tim Bowness - Vocals, words
Steven Wilson - Instruments, words

With:

Steve Jansen - Drums, Percussion.
Rick Edwards - Percussion on 3.
Colin Edwin - Bass & Double bass.
David Kosten - Synth Drown / Ride Cymbal on 1
Theo Travis - Saxophone on 7, flute on 8.
Ian Carr - Trumpet on 1.
Ian Dixon - Trumpet on 2, Flugehorn on 3 and 7.
Ben Christophers - Acoustic Guitar on 1 and 7.

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LUCK

Victor Jara Sinfonico - Orquesta Sinfonica Universidad de Concepcion con Manuel García.

2008-11-30T11:31:00.001-08:00

Hace bastante tiempo que se dio el primero de estos grandes conciertos y todos nos preguntabamos cuando iba a salir el disco. Bueno salio y con una notable grabacion, donde sobre sale la calidad del registro de Manuel Garcías que le da un "no se que" a la obra. comentarla o explicarla??? está de mas, Victor es un grande y no necesita presentación, independiente de una postura ideologica, no reconocer su aporte es una blasfemia. usen audifonos y no solo a esuchar, pensar y entender el mensaje...
Temas.
1 Charagua
2 Te Recuerdo Amanda
3 Cuando Voy al Trabajo
4 El Cigarrito
5 Qué Saco Con Rogar al Cielo
6 Manifiesto
7 Plegaría a un Labrador
8 La Partida
9 El Aparecido
10 Angelita Huenumán
11 Paloma Quiero Contarte
12 Luchín
13 Lo Unico Que Tengo
14 El Derecho de Vivir en Paz

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Aclaracion, es el DISCO NO UN AUDIO DEL CONCIERTO

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Crossfire

Devil Presley - Round 3 (2007)

2008-11-12T18:39:00.000-08:00

PONGAN LOS PARLANTES A TODO LO QUE DA, TRAIGAN A SU MEMORIA TODA ESA MIERDA QUE TIENEN GUARDAD, PERSONIFIQUEN SUS FRUSTRACIONES Y SOLO DEJEN FLUIR ESA ENERGIA DEPREDADORA, QUE ARRASA CON TODO HASTA CON USTEDES MISMOS.... ESTO ES ROCK DE LA VIEJA ESCUELA, QUE SALE DE LA RABIA MAS PROFUNDA, SI TE GUSTA SABES LO QUE ES ACTITUD SI NO, PUEDES IRTE AL DIBALO.

Eso y mucho mas es Devil Presley, gran banda nacional con claras influencias de Motorhead y compañia, con un sonido agradable, potente y sobre todo rudo, con la cuota justa de suciedad que le da un toque magistral a los temas sumada a una lirica creativa que escapa del sentimentalismo victima y se adelanta en una sed de venganza, dolor e ira.... su oscuridad envuelve y agrada.

Round 3 es su tercera entrega del año 2007, esperado disco en el que ya entran a ocupar un lugar importante sus letras en español pero aun conservan sus temas en Ingles...algo que para mi no esta tan bien , pero en este caso da exactamente lo mismo y los temas mas potentes estan en nuestra lengua materna.

Dp 4 live da el vamos y de que manera, UNA RADIO CATOLICA DANDO LA HORA (cuando no) el resto pongale atencion le sacara un maligna sonrisa. Perro rabioso y vida loca siguen sacando las chuchadas a la chilena y lo crudo de la realidad a colacion con acordes que en nigun momento te dan respiro, ES UNA CATARSIS. las mujeres y los desamores aca tienen rol central y se ve en todo el disco....¿alguien quiere entrar y cambiar tu mundo? devil responde No Esperes Nada de mi....y no hay mas. La mesa esta servida para el tema mas potente y que se transforma en un Himno, AGUARDIENTE....reconocimiento de nuestra debilidad pero todo el poder del orgullo y nuestros bajos instintos... simplemente notable. Con Bramador volvemos a ese ser mas paciente, mas humano pero NOOOOO aquel sicopata que tenemos dentro toma parte en la escena y de que manera: TUS PASADO ESTA GOLPEANDO TU PUERTA, TUS PECADOS VIENEN POR TI.

Ant't That Lonely yeat y Skull Tattoos siguen recordando ese sonido anglo y preparando el camino a otra bomba, TAJOS....tienes un hielo en el corazon, esto es para ti. Belcebu y Tranquila le dan el fin a este disco que no tienen bajos y con algo de cerveza en el cuerpo aunque eestemos en una plaza llena de pendejos jugando a la ronda nos trasladaremos en nuestras mentes a un clandestino bar en el cual gritarle al mundo... me tienen podrido.

track list

1 - DP 4 life
2 - Perro Rabioso
3 - Vida Loca
4 - No esperes nada de mi
5 - Aguardiente
6 - Bramador
7 - Ant't That Lonely Yet
8 - Skull Tattoos
9 - Tajos
10 - Belcebu
11 - Tranquila.

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Pappo with Deacon Jones - July 93 Los Angeles

2008-11-03T19:22:00.000-08:00

Después de un receso volvemos con Pappo, así que tomemos un trago de cerveza fresca para nuestro ser, montémonos en la Harley y disfrutemos de este disco, el cual está cargado de buen blues. Por este motivo es totalmente recomendable al lector que se ponga cómodo ( con un cigarro, y si es posible con una cerveza) y comience a escuchar este disco que es 100% volátil y logra lo que el blues espera hacer sentir… nostalgia, tristeza, y ese “no se que”.

¿Y qué más nos queda por decir?, el Carpo es el Carpo, y no queda más que escucharlo, dejarse envolver por su canto, sus letras y su música.

Por este motivo es que en situaciones como estas me apodero de las palabras del buen Pappo: "Un viejo blues, me hizo recordar, momentos de mi vida y mi primer amor, pero aquí estoy tan solo en la vida...Que mejor me voy"(Desconfío ).

Lista de Temas:

01.- Fiesta cervezal
02.- El tropezón
03.- Pequeña ala
04.- Siempre es lo mismo, nena
05.- Sube a mi voiture
06.- Blues de Santa Fe
07.- Desconfío
08.- Tren de las 16

Formación:

Pappo - Primera guitarra y voz
Deacon Jones - Teclados

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KING CRIMSON - The Power To Believe (2003)

2008-09-17T17:17:00.000-07:00

Hablar de The Power to Believe seria hablar de alguna forma de toda la discografia de crimson sintétizada, donde fripp y compañia toma lo mejor de Kc de todos los tiempos. Podemos hallar desde In the Court of the Crimson King, In the Wake of Poseideon , Larks tongues in Aspic , Red, Discipline y Thrak en este disco.

Podemos decir que el disco tambien este construido con elementos organicos y artificiales donde ambos elementos se imbuen en un plasticidad y expresividad unicos.
Pero remontarse solo a consideraciones históricas y técnicas seria un crimen.. Crimson va mas allá de virtuosismo vacuo y una bestial maquina de exactitud de relojeria.

No por nada este disco se llama de “Power to Believe” en un época donde todos necesitamos creer, la época de la jaula de hierro, las predicciones tan funestas de Weber, donde las religiones se han racionalizado tanto que no tenemos una barreara moral que nos detenga, donde todo resorte moral se ha perdido y solo giramos sobre nosotros mismos.
Si Crimson recrea desde su anterior premisa, como liev motiv la “Construcción de la luz”, ese disco tan ligado a la maquina, ese de un escuchar lleno de horror y de maquina incansable, de un trabajar de dia y noche, ahora tenemos la concentración de todas esas intuiciones en “el poder para creer” que es mas menos lo mismo pero nos muestra que aun se puede creer en algo…. en que ? Fripp en que pensabas…..dios ya esta muerto en nuestros dias ..en la contruccion dela luz por nosotros mismos por medios artificiales asi como decia rimbaud ?.

"Ella me ayuda a pasar los días de apatía,
Sin darme cuenta
En cierta forma me salvó la vida,
Cuando me devolvió El Poder Para Creer."

Dentro del caos de este disco donde la agresividad de Pat Mastelotto y Trey Gunn, han tomados ribetes casi industriales, podemos encontrar una serie de piezas llamadas “The power to Believe” cuasi protagonizada por la voz angustiosa y solitaria de adrian belew, cantandole a un futuro incierto pero cantandole al fin, siempre acompañadas de los famosos soundscapes, que serian de alguna forma la luz entretanta destruccion sonora.

"6 millones de hormigas arrastrándose por un plato de comida
6 millones de hormigas arrastrándose por un plato de comida
ninguna de ellas devuelve tanto como toma
6 millones de hormigas arrastrándose por un plato de comida

No quiere decir que debas hacerlo sólo porque puedas
Eso no quiere decir que debas hacerlo sólo porque puedas
como Abraham e Ismael atravesando el desierto
Eso no quiere decir que debas hacerlo sólo porque puedas.

Es una pura realidad
Es una pura realidad

Ahora, algunos de nosotros construye y otros enseñamos
algunos de nosotros construye y otros enseñamos
pero algunos de nosotros mata para que otros lo comamos

Es una pura realidad
Es una pura realidad

Nadie sabe que sucede cuando mueres
Nadie sabe que sucede cuando mueres
Cree lo que quieras, pero no significa que estés en la verdad

Es una pura realidad
Es una pura... "

Como no no quedar inquietos frente la caratula del disco que al fin y al cabo es una imagen ya conocida en Crimson ..es esa misma cara con los ojos desorbitados , como con un grito ahogado, una suplica casi , con una mascara anti radiación, con un bebe en las manos , con los ejercitos a sus espaldas, en un clima de guerra nuclear ..no sera aquel bebe el poder para creer que nos hablan fripp y compañía??..... no seran aquellas sus esperanzas?…no sera la luz Construida por nosotros mismos?..es casi un disco posapocaliptico

lleno de esperanzas en el hombre que viene, de un futuro caotico pero esperanzador…eso esta en nuestras propias manos cambiar..

Track Listing:

1. The Power to Believe I: A Cappella (0:44)
2. Level Five (7:17)
3. Eyes Wide Open (4:08)
4. Elektrik (7:59)
5. Facts of Life: Intro (1:38)
6. Facts of Life (5:05)
7. The Power to Believe II (7:43)
8. Dangerous Curves (6:42)
9. Happy With What You Have to Be Happy With (3:17)
10. The Power to Believe III (4:09)
11. The Power to Believe IV: Coda (2:29)

Total Time: 51:11

Line-up/Musicians

- Robert Fripp / guitar and soundscapes.

- Adrian Belew / guitar, vocals & electronic percussion

- Trey Gunn / Warr guitar, rubber bass.
- Pat Mastelotto / drumming, electronic percussion

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LUCK

Vixen - Vixen (1988)

2008-08-28T12:33:00.000-07:00

Vixen es una banda estadounidense de Glam Rock conformada por mujeres, que tuvo su mayor éxito a finales de los 80s y principios de los 90s. Actualmente siguen activas desde su regreso en el 2001.

Este es el primer disco del grupo, en el cual dejan expuesta toda su esencia enteramente sentimental (desde mi punto de vista), dando a conocer una seguidilla de fracasos amorosos, noches solitarias, desilusiones amorosas, en fin…las famosas penas del corazón, que todos hemos vivido en algún instante de nuestras vidas.

Emprendiendo el viaje con "Edge of a Broken Heart " (al borde de un corazón roto), tema que hace vibrar con una mezcla del estilo absolutamente potente y pegajoso del glam rock, y una letra a todas luces desgarradora y esperanzadora, demuestra una "superación" detrás de una gran desilusión (" I don't need another lonely night to dry my tears" lo dice todo). Por lo tanto, después del primer tema, ya nos encontramos insertos en un ambiente inevitablemente adecuado para iniciar el viaje mental, cuyo soundtrack será esta vez el primer disco de este grupazo.

Al continuar el viaje nos encontramos con temas como Cryin' (uno de los más conocidos), los cuales creo que a nadie deja de llegarle, porque las cuestiones del corazón todos las vivimos, y con fragmentos tales como:

"I won't be cryin', cryin', when I think about you, 'cos I opened my eyes. And I won't be cryin', cryin', 'cos those days are gone, gone" (" No lloraré cuando piense en ti, porque he abierto mis ojos y nos lloraré porque esos días se han ido")

"Cryin'

Nos adentramos aún más en un ambiente atestado de desencanto y resignación, continuando un viaje repleto de invocaciones a fantasmas perturbadores, con temas como:

"And I still remember when we first met,
it was on a night like this
The moon was shining for you and me
When I stood alone, I'd be betrayed by your kiss"
(" Y aún recuerdo cuando nos encontramos por primera vez, fue en una noche como esta. La luna estaba brillante para nosotros, cuando estuve sola, seria traicionada por tu beso")

"Love Made Me"

"Ah tell me, please tell me, you wanna
know what's really here inside
Is it love there in your eyes, or is it just a lie
I see lyin' in your eyes, and now I realize that"
("Dime, por favor, quieres saber que hay realmente acá adentro, es ese amor en tus ojos, o es sólo una mentira, veo la mentira en tus ojos, y ahora lo entiendo")

"Waitin' "

Sin embargo dentro de todo, según mis apreciaciones este disco más que ser para llorar las penas, o hundirse dentro de un abismo eterno, logra terminar nuestro viaje dentro de nuestra memoria emocional-amorosa haciéndonos vibrar el corazón (sobre todo el lastimado), para sacar esa fuerza que todos llevamos dentro, pero que llevamos oculta bajo un velo de dolor; ya que dentro de todo, sus temas generalmente contienen un dejo de esperanza, y sobre todo un dejo de "ándate al carajo, que ya vendrá otro(a)" que es muy motivador, consiguiendo que aunque iniciamos un viaje desgarrador, lo terminamos llenos de fuerza interior.

En fin, un disco totalmente recomendable, muy potente, que posee lo esencial que a mi parecer debe contener un buen disco: HACERNOS VIBRAR.. en fin, un grito desgarrador, lleno de desilusiones, desesperanzas, pero también de esperanza y fuerza.

Temas:
Edge of a Broken Heart (Richard Marx, Fee Waybill) 4:24
I Want You to Rock Me (David Cole, Janet Gardner) 3:30
Cryin' (Gregg Tripp, Jeff Paris) 3:32
American Dream (Jon Butcher) 4:19
Desperate (Brian Miku, Leah Santos, Jan Kuehnemund) 4:16
One Night Alone (Tripp, Paris) 3:50
Hell Raisers (Scott Metaxas, Kenneth Dubman, Vixen, Spencer Proffer) 4:27
Love Made Me (John Keller, Marcy Levy, Michael Caruso) 3:18
Waitin' (Kuehnemund, Gardner) 3:11
Cruisin' (Kuehnemund, Gardner, Keith Krupp) 4:24
Charmed Life (Tripp, Paris) 4:05

Integrantes:

Jan Kuehnemund- Lead and rhythm guitar, backup vocals
Janet Gardner- Lead vocals, rhythm guitar
Share Pedersen- Bass, Backup vocals
Roxy Petrucci- Drums, Backup vocals
With: Richard Marx-Keyboards

Produced By David Cole, Richard Marx, Spencer Proffer & Rick Neigher
Engineered & Mixed By David Cole, Peter Doell, Brian Foraker, Hanspeter Huber & Mark Stebbeds

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Moving Sounds - Thinking about

2008-08-22T20:11:00.000-07:00

Es sumamente complejo para mi realizar un comentario que vaya más allá de una sinfonía de descripciones de paraísos mentales, porque esta verdadera obra de arte fusiona algunas de las cosas mas maravillosas que existen dentro de mi mundo interior: un sonido angelical que trae consigo paisajes naturales, un instrumento ciertamente exquisito, el clarinete, y la improvisación, tan armónica y melódica que existe entre cada instrumento que se interpreta en este disco lleno de composiciones intuitivas.

Comenzamos este maravilloso y volátil viaje, con zephir , la purísima y esplendida interpretación de clarinetes, seguido por una interpretación del trompetista Markus Stockhausen, la cual ostenta de una pureza e interpretación que logra adentrarnos cada vez más en este sedante viaje, nos lleva a paraísos instrumentales indescriptibles, desiertos anaranjados , astros llameantes de vida, lienzos cabrioleando con el viento, y flores escarlatas emergiendo de grandiosos cactus.

Continuando el viaje, junto a la nota larga de Tara Baumann en thinking about penetra en mi mente el arbóreo sonido del clarinete, y, es en ese instante en que la siento revolotear por el interior de mis ojos, seguido por el momento en que se fusiona con una lobezna trompeta, concibiendo un aullido de lobo estepario. Ahí es, cuando un relámpago viaja directamente a mi núcleo de emociones, obteniendo un estremecimiento general indescriptible, finalizando con la calma causada por un acorde final que no es más que la brisa que silencia a un solitario y salvaje animal.

Continuando, Judan, nos introduce en un rio selvático, y nos guía en un viaje utópico, lleno de aves coloridas, ramajes y aguas diáfanas, colmandonos el alma, regocijando nuestro sentir mientras , nos revela el índigo cielo, llegando a un momento tan maravilloso en el cual nos encumbramos entre los ramajes frágiles como una pluma.Finalmente, Serenade, el ultimo obsequio a nuestros sentidos, en donde el clarinete bajo nos deleita junto a la lobezna trompeta, creando acordes terrenales, y ventosas melodías , generando el más volátil y colorido espectáculo íntimo, que eleva la imaginación, sobre todo cuando unas voces angelicales regocijan nuestros oídos reponiéndonos ese sentimiento de pertenencia a la pachamama, que nos recuerda la fertilidad de las tierras, el milagro de la vida, ese que se encuentra en cada pequeño milagro cotidiano que observamos día a día, pero que optamos por ignorarlo.

En fin, pocas veces la música consigue sentimientos tan profundos como los que me produce este disco, ya que personalmente cuando una melodía me gusta, la siento en el alma, pero en este caso, el sonido, los acordes, melodías, logran llegar al núcleo de mis emociones… el corazón, y es esa sensación indescriptible la que amo, esa que logra crear un auténtico paraíso melódico, concibiendo armónicos acordes danzantes. en ambientes utópicos, y naturalezas inexistentes.

Temas:
Zephir
Thinking about
Kurzes gluk
Talimba
Andrea
Glaserne Gebilde
Papillons
Judan
Serenade

Markus Stockhausen (Trompete)
Tara Bouman (Klarinette, Stimme)
Intuitive Musik & Kompositionen
Kompositionen: Markus Stockhausen

Tara Bouman

Markus Stockhausen

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Pink Floyd –The Dark Side of the Moon(1973)

2008-08-21T19:54:00.000-07:00

“Este disco esta gobernado por la emoción, no hay nada de plástico en el, no hay nada artificial en el, y eso es lo que le dio o quizás una de las cosas que le dio esa longevidad”

Roger Waters

Lentamente el sonido del corazón va creciendo hasta escuchar el grito, invadidos de sonidos por los componentes principales que forman este disco, de apoco la neblina de los ecos se disipa para descubrirnos su mascara y entramos al mundo del aire con "Breathe" (respira), sentir en lo mas profundo de nuestros pulmones la acción de inhalar y exhalar, la vida y la muertes juntas, el misterio de esa dualidad que esta encubierto en el acto del caminar, en el ver , en el sentir y oler, y como decía Roger Waters “Mira a tu alrededor y elige tu propia tierra. A pesar de lo mucho que vivas y lo alto que vueles, de las sonrisas que des y las lágrimas que llores, y de todo lo que toques y veas, todo eso habrá que representar lo que será siempre tu vida”. On The Run, ese caminar tortuoso y constante de la maquina, el correr incesante de este hombre que ha dejado de lado esta visión de vivir el presente, hasta estallar, como se estrella esta avión desde el cielo… el presente…escuchando por sonidos que marcan un pulso, son relojes que marcan la horas , esa visión del tiempo mecanizada y occidental, punteada por una constante, formando un espacio en donde circulan segundos que parecen no terminar hasta el golpe en el corazón, con la batería de Nick Mason, anunciando:

"Y corres y corres para alcanzar el sol,
pero éste esta hundiéndose
y dando la vuelta para aparecer
detrás de ti otra vez.
El sol es relativamente el mismo,
pero tú estás más viejo,
con menos aliento y un día
más cerca de la muerte.

Cada año se hace más corto,
nunca parece ser encontrado el tiempo.
Planos que no sirven o son media página
de líneas garabateadas,
cuelgan en tranquila desesperación:
son la idiosincrasia inglesa.
El tiempo pasó y la canción ha terminado.
Creía que tenía algo más para decir...”

Sin duda nos encaminamos a descubrir cual es el acertijo de este disco y para ello encontramos ciertas piezas claves que anuncian el lado oscuro de la luna, pues "The Great Gig in the Sky" (El Gran Concierto en el Cielo) comienza con una melodía en el piano y continua con la voz de Clare Torry que nos introduce al mundo de la improvisación, pieza inspirada a pedido de la banda, en la muerte y en el horror del ser humano, pues es el instante que debela ese lado oscuro pero poéticamente representado.

Así las monedas y cajas de cierre y guarde de dinero suenan, imparables, “Money” es el titulo de esta pieza que para mi gusto una de las bastante criticas frente al sistema, y también una fuerte critica a ellos mismo, ya que en ese periodo existía un objetivo a lograr que al mismo tiempo se representaba en dinero. “…El dinero es un crimen.
compártelo equitativamente, pero no tomes una porción de mi pastel. El dinero, dicen, es la raíz de todo pecado hoy en día. Pero si pides un ascenso, no es nada raro que no te lo den.” Con "Us and Them" tenemos el paso calmado de estos seres que marchan, sin un sentido ni un porque, sino que simplemente esta el ser inserto en este mundo, es como si le tocaran una canción a la cotidianeidad y nos invitaran a ser mas nosotros mismos, “Nosotros y ellos, después de todo, sólo somos hombres comunes, Tú y yo…”. En "Brain Damage", Waters dice que de alguna manera el en esta pieza defiende la noción de ser diferente “Yo no puedo pensar otra cosa que decir excepto...Pienso que es maravilloso” y así con un ritmo que comienza desde lo mas profundo del disco termina con un Eclipse total que resume el mensaje que quieren expresar hacia vida, pues No hay un lado oscuro de la luna realmente, realmente todo es oscuro…

Pink Floyd – El lado oscuro de la luna (The dark side of the moon) (1973)

David Gilmour - Voz, guitarras, VCS3
Nick Mason - Batería, percusión, efectos de sonido
Richard Wright - Teclados, voz, VCS3
Roger Waters - Bajo, voz, VCS3, efectos de sonido

Lista de Temas:

1. "Speak to Me"(Mason) 1:08
2. "Breathe" (Gilmour/Waters/Wright) 2:48
3. "On the Run" (Gilmour/Waters) 3:50
4. "Time"(Gilmour/Mason/Waters/Wright) 7:04
5. "The Great Gig in the Sky" (Wright)4:48
6. "Money" (Waters) 6:24
7. "Us and Them" (Waters/Wright) 7:49
8. "Any Colour You Like" (Gilmour/Mason/Wright) 3:26
9. "Brain Damage" (Waters) 3:50
10. "Eclipse" (Waters) 2:04

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SUSO

Manuel García – Pánico (2005)

2008-08-13T17:22:00.000-07:00

Plasmar un comentario acerca de un disco que produce tantas sensaciones distintas en relación al estado mental en que te encuentras no es sencillo, porque si algo hace Manuel García en Pánico es invitarte a un viaje de sensaciones extremas.

Manuel García con su tremenda producción, su nostálgica guitarra y su voz que se mueve en el filo del quebranto como muy pocas pueden hacerlo, nos entrega los boletos para un vuelo sin alas, Pánico es una experiencia de continua nostalgia que nos inunda de tristeza pero también marca pauta para un naciente canto esperanzador. Un recorrido que huele a otoño y mar; a flores y lluvia; a magia e inocencia; a recuerdos y sueños. Atmósferas cargadas de nostalgia que con su poesía y belleza sensibiliza los recuerdos, los hace presente y te transporta a un no lugar, a ese país imaginado por ti, lleno de recuerdos vivos, de sangre viva que connota vida y muerte, deseo y frustración, en un espacio a temporal…impulsados por el viento eterno.

La belleza del sonido de la guitarra solo se compara con la belleza de sus letras y la majestuosidad de la interpretación de obras que a ratos es profética, a ratos históricos y a ratos ideada por y para ti. La fuerza de la nostalgia es lo que envuelve, insisto una vez más con la nostalgia y como lo exprese en otro lado ese Paralelismo enfermizo de nostalgias venideras, pasados presentes que se proyectan al futuro...

Cierren los ojos: vean al bufón, sientan al insecto de oro…habla de aquel, de aquella, de ti, del otro, del extraño y el ajeno…dancen con las libélulas aya en el reino del tiempo.

Créditos

Músicos: Manuel García (voz, guitarra, arreglos), Alejandro Soto (guitarra, acordeón, teclados, arreglos), Diego Álvarez, Ian Moya (guitarras), Nicolás Faunes (flauta traversa), Víctor Martínez (violín), Miguel Arredondo (cello), Daniel Navarrete (contrabajo), Christian Bravo (bajo acústico), Cristián Carvacho (percusión).
Producción: Manuel García, Alejandro Soto y Fidel Antonio Orta.

Tracklist

1. Tanto creo en ti.
2. La pena vuela.
3. Bufón.
4. Insecto de oro.
5. Tu ventana.
6. Pánico.
7. El viejo comunista.
8. Hablar de ti.
9. Cómo dices tú.
10. La danza de las libélulas.
11. Azúcar al café.
12. Caen lunas.
13. El reino del tiempo.

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Trueno Tierra (2006)/ La Renga

2008-08-10T18:49:00.000-07:00

"Este trueno que ha de escucharse retumbará en las mentes, encarnará tierra, brotarán de esas raíces nuevas conciencias. Es posible que tejiendo visiones Se enhebren nuevas miradas de ese mundo caótico. No es el capricho del soñador, sujetarse a lo real, está en la liturgia del viajero atravesar tormentos para ansiar reposar en paz, a pesar de eso la tierra amortigua y potencia a veces el arrebato del sentirse nada en el todo" Trueno y Tierra como aterrizarse en un vuelo

Como una explosión que agudiza los sentidos, Trueno Tierra nos logra llevar a lo más profundo de la conciencia , nos arrebata fugazmente de la realidad, devolviendo por un pequeño instante de nuestra mísera existencia real a nuestra más ansiada sensación de libertad, esa que retumba en las mentes, y libera nuestras conciencias.

Nos hace alto trepar por las ramas de la memoria, causando un constante estado de bipolaridad; permitiendonos caminar errantes por las estaciones de nuestro sentir, recorriendo los pasadizos más oscuros, adentrándonos entre la niebla , como también logrando hacernos alucinar en el más bello de los paraísos.

El disco en un principio, en un aullido de velocidad nos adentra a la boca del lobo , haciendo que nuestras conciencias griten libertad, griten desenfreno, griten...sólo griten, sintiendo que nada las detiene, y aman extraviarse por las calles de la memoria, llegando allá donde no hay fronteras

Pero en el instante, en que aparece la mujer del caleidoscopio (u hombre del caleidoscopio como personalmente prefiero llamarlo), transformándose en nuestro más preciado y oscuro diamante, se llega a un estado de alucinación, un sentimiento de estar alucinando al unísono, pero... ¿al unísono con quien?, ¿de qué? ¡con nuestro ser!, ¡ y de la más explosiva unión de acordes y poesía!... nuestro verdadero ser, ese que está lejano de ser parte del rebaño, ese que desea subirse a lo más alto de una montaña roja y gritar que va por el caminito al costado del mundo, vive en un paraíso de dicha y excitación indescriptible.

Aunque como es de esperar, luego de ese paraíso de dicha, la alucinación en exceso nos logra hacer caer de esa montaña roja cuando nos damos cuenta de que "alguien metió mano en el infierno”, y desgarramos nuestra alma, nuestra voz y nuestra vida un poco menos infeliz de lo que era antes, y alucinamos y alucinamos, desgarramos, y desgarramos sin cesar, y es que este estado se transforma en un elixir, ¿un elixir?, si, un elixir para la infelicidad, para esa sensación de sadomasoquismo, sensación más humana que el mismo odio, y las palabras se tornan estorbantes, porque no existe cual defina el paradisiaco y a la vez maldito estado en que nos encontramos.
En fin, un disco que personalmente representa un mundo lleno de recuerdos, de momentos y sentimientos, lleno de alucinaciones, desgarradoras, apaciguadoras, de pasión, amor y desenfreno.

Temas:
· El monstruo que crece · Almohada de piedra · Ruta 40 · La boca del lobo · Montaña roja · Palabras absorbentes · Cualquier historia · Mujer de caleidoscopio · Llenado de llorar · Oscuro diamante · Entre la niebla · Cuadrado obviado
· Aluzinando al unisono · Sustancia entre las plantas · Truenotierra · Anaximandro · Neuronas abrazadas
Integrantes:
Chizzo: voz y guitarras
Tete: bajos
Tanque: batería
Chiflo: saxos
Manu: guitarra, voz, saxos y roncoco
Gordo Gaby: manager
Músicos invitados:Leopoldo Janin (saxo tenor y baritono) y Juan Cruz Fernández (trompeta) en los temas "La boca del lobo" y "Cuadrado obviado".
Grabado y Mezclado en La Renga Estudio

Todos los temas pertenecen a Gustavo F. Napoli, excepto "Entre la niebla" de Manuel Varela.

Disco 1:
http://www.mediafire.com/?sharekey=cf45a9678ed827d3d2db6fb9a8902bda

Disco 2:
http://www.megaupload.com/?d=H8LNRG0S

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EMERSON, LAKE AND PALMER - CUADROS DE UNA EXPOSICIÓN (1972)

2008-08-08T20:32:00.000-07:00

Esta es el tercer álbum de los Emerson, Lake and Palmer, que esta en vivo el cual fue una inspiración de la obra “Pictures at an Exhibition” de el compositor ruso Modest Mussorgsky (1839 - 1881) , el cual inspirado en los cuadros de Victor Hartmann (su amigo) compone esta obra.

Comienza, los pasos con las teclas del órgano, donde empezamos ha acercarnos de a poco para un encuentro con la vista, esa relación mágica entre los ojos y la mente en el cual los sonidos se entrelazan para darnos la base que impregnara todo el disco, que es Gnome un instrumental inspirado en la temática principal de la obra de Modest Mussorgsky , y es la queda al acción atmosférica a estos pasos abstractos que cambian con el tiempo, de esta manera nos vamos paso a paso al fin del cuadro para toparnos nuevamente con un paseo pero ahora con la voz dulce de Greg Lake que nos dice:

…Aléjame de sueños tortuosos,
los tópicos de la infancia, de las noches solitarias,
seca los años interminables,
las lágrimas de la infancia tan secas como la piedra.

De las semillas de la confusión,
las ilusiones oscurecen los frutos que han crecido.
Aún ahora en arrugas de lamentos
se canta el baile.

El curso de mi vida ha sido dirigido
decidido por los límites dibujados
sobre mapas de mis días pasados
y sobre senderos, desde que he nacido….

Pues con esto caemos directamente en The sage (el sabio) una de las piezas conmovedoras del canto nostálgico de Lake como si camináramos en un sueño que nos habla de nuestra historia para sacar algo nuevo de ella y de otras en común. Pues del interior de esta pieza musical nos cuenta:

…Llevo el polvo de un viaje
del que no puedo sacudirme
vive muy en lo profundo de mi
y lo respiro cada día.

Tú y yo somos las respuestas del pasado;
la tierra del pasado convertida en carne,
erosionada por los ríos del Tiempo
para tener las formas que ahora poseemos.

Ven y comparte mi respiración y mi esencia,
y mezcla nuestra corriente y nuestros tiempos.
En momentos brillantes e infinitos,
nuestras razones se pierden en nuestras rimas…

Luego, con estos pasos nos vamos a un mundo de fantasía con el “Hendrix del teclado” Keith Emerson en el viejo castillo y la variación en forma de blues, además de la conjunción con el corazón de la banda Carl Palmer en batería, el que va a las profundidades del ese ritmo constante que acompañaba las teclas fantasiosas de Emerson.

Un instante de silencio, para seguir el camino pero ahora con un sentido distinto, la noción de la palabras del pasado transformadas en el presente para meterse en una caja de música que suena incansable, esta es la Cabaña de Baba Yaga… abrimos una puerta y ahí esta, ahí esta la maldición de Baba Yaga hablada por la maquina, la cual es interpretada con el sintetizador y el bajo palpitante de Lake. De a poco nos vamos impregnando de esta atmósfera que va creciendo y creciendo como si fuéramos cabalgando para entrar a la Gran puerta de Kiev y quedarnos finalmente ahí para escuchar desde el viento un hálito que nos quiere dejar un mensaje:

… Salgan, de las agujas del amor
nacido en el fuego de la vida,
nacido en el fuego de la vida.
Salgan, de las agujas del amor.

Se queman todos tus anhelos,
de la vida que podría ser,
y conseguiremos el dolor,
¡una nueva vida!

Revolviendo las corrientes saladas
y las uniones oscuras y escondidas
donde reluce el fósil sol.

Ellos fueron enviados a las puertas
cabalgan las mareas del destino,
Cabalgan las mareas del destino.
Ellos fueron enviados a las puertas.

Se queman todos tus anhelos,
de la vida que podría ser.

No hay un final para mi vida,
ningún comienzo para mi muerte
la Muerte es la vida…

Nos llaman, nos gritan… para terminar manifestándonos que nosotros no solo somos los seres que caminan de esta exposición sino que somos también obras pero para ello tenemos que sentir y vivir la vida con ese mensaje poderoso, en donde “No hay un final para mi vida, ningún comienzo para mi muerte” y como decía Nietzsche, “no queremos mas cuadros en las murallas, sino que queremos de cada hombre una obra de arte”.

PD: Nutrocker" es el Cascanueces en versión Rock de Tchaikovsky

Espero que disfruten el disco como lo disfrute yo desde que era muy pequeña!!!

Cuadros de una Exposición de Victor Hartmann

Track Listing:

Side 1 (19:02)
- a. Promenade
- b. The Gnome
- c. Promenade
- d. The Sage
- e. The Old Castle
- f. Blues Variations

Side 2 (18:47)
- a. Promenade
- b. The Hut Of Baba Yaga
- c. The Curse Of Baba Yaga
- d. The Hut Of Baba Yaga
- e. The Great Gates Of Kiev
- f. The End - Nutrocker

Total Time: 37:21

Line-up/Musicians
- Keith Emerson / keyboards
- Greg Lake / vocals, bass, guitar
- Carl Palmer / drums, percussion

Link: (Formato MP3 cbr 320 Kbps (lossy))

http://rapidshare.com/files/135871499/ELP_-_Pictures_At_An_Exhibition__1972_.rar

SUSO

Estigma - Rañi Killen (2004)

2008-08-07T21:01:00.000-07:00

Estigma - Rañi Killen (2004)

Estigma banda penquista nacida el 2004 , poseedora de un sonido heredado del rock sinfonico del los 70s nos entrega este disco, titulado rañi killen (media luna en español) que nos impregna de los sonidos de la tierra, nuestras raices y toda la mistica cosmogonia indigena.

El disco comienza con rañi killlen un pasaje sonoro lleno de vida que da comiezo al disco, los grillos y buhos llenan el espacio sonoro, nos hace recuerda un paisaje sureño, suenan de fondo, la cascahuilla, chagcha, trompe, ocarinas, ñolquin y moceño , Despues de esta introduccion tan sobrecojedora, da iniciola llegada del hombre modermo para traer intraquilidad que de alguna manera se enfrenta a este ambiente y darle inicio al tema con una bella composicion donde la poesia y el rock legado delos 70 juegan especial importancia, le sigue estigma con un sonido mas bien canterburyano con algunos toques de acid jazz , muy ondero y con liricas muy directas e impetuosas...le sigue catarsis que es toda una evolucion musical donde las polirritmias y la flauta no se hacen esperar, cabe resaltar en la seccion principal la composicion llega a un quiebre casi agonico, un remanso de exquisita tranquilidad,,,,, el disco en los siguientes temas sigue con su curso manteniedo la misma continuidad, podemos encontrar el tema jardin talado que incluye notables texturas alectronicas y algunos instrumentos como las cascahuilla que nos lleva denuevo ese ambiente del principio del disco, el instrumental elipse donde me es posible recordar al kc 72-74 en su tema fracture . Hasta que llegamos al gran final que no podia ser de otra manera: hipnoticas flautas (asi como el flautista de hamelin) surcando el cielo sonoro mientras, una voz recita un hermoso poema donde podemos escuchar frases como “puedes ver el mundo donde comienza el rio” llenas de inspiracion y armonia desde nuestra tierra pàra darle termino a este fabuloso disco.-

En general un disco que entre rock , poesia, voz e instrumentos hacen de un todo una armonia bien equilibrada y facil de digerir. Una perfecta simbiosis entre el mundo urbano y la naturaleza, perfecto balanze entre dos miraradas de un mismo mundo. De alguna forma este disco es un intento por restablecer la conexión que el hombre moderno a olvidado : Su relacion con la tierra. Este es un grito desesperado por eso....

“mirame respiro aun, entre la bruma y un rayo de luz, puedes tu ver mi huella en el brocal, mis yagas mi morena eternidad y mi bastion..."

Tracklist:
01 - Rupai Anti 08:07
02 - Estigma 05:54
03 - Catarsis 05:02
04 - Rubrica 06:51
05 - Reactor 05:33
06 - Alguna Porcion 04:00
07 - Jardin Talado ( Instrumental ) 07:53
08 - De proyectos y Naufragios 05:23
09 - Pasajes ( Parte II ) 02:49
10 - Elipse ( Instrumental ) 06:21
11 - Donde Comienza el Dia 07:18

Integrantes:
Ricardo Navarrete : Guitarra base y primera voz
Claudio Gatica : Primera Guitarra, Teclado y voces
Roberto Espinoza : Flauta Traversa
Ariel Cofre : Bajo
Richard Henriquez : Bateria
Composicion : Ricardo Navarrete
Arreglos : Estigma

Masterizacion y mezcla : Hector Carrion y Estigma
Fotografia Portada : Sady Mora

LINK DE DESCARGA AQUI

LUCK

Metallica - Ride the Lightning (1984)

2008-08-05T19:50:00.000-07:00

Llego el momento de darle el vamos a esta iniciativa. Por una cuestión emotiva, esta primera tanda constara con aquellos discos sentimentales.

Metallica, lejos una de mis bandas favoritas, desde los 15 años me acompañan con siendo el eje articulador de un montón de nuevas experiencias musicales. Ride the Lightning inicia este blog, un disco que conserva la esencia avasalladora del trash y le impregna componentes mucho más melódicos. Las emociones que despierta cada ves que lo palpito van desde la rabia y la fuerza hasta un éxtasis nostálgico logrado con a mi gusto, una de las mejores baladas del rock de todos los tiempos, Fade to Black. El disco comienza con Fight Fire Whit Fire y una intro que produce una especie de cuenta regresiva, ansiando el momento de implosión y abrir la puerta para dejar escapar toda esa energía sin dirección ni rumbo, que solo fluye y golpea….pegado el tema que le da nombre a la placa y en el que esta mas viva que nunca la presencia de Burton. Una primera tanda que se quiebra con For Whom the Bells Tolls que siendo un gran tema, va bajando un poco la potencia inicial y preparando el camino para el arribo de Fade to Black y todo el ambiente que genera con la mezcla de lo acústico y lo mas metálico, un tema que te envuelve en una atmósfera de tintes suicidas, un grito ahogado de desesperación…

Trapped Under Ice, Escape y Creeping Death nos traen de un golpe al laberinto y vuelven las cabezas a girar, vuelven a aumentar los decibles mentales, vuelve lo oscuro.

El disco no pude terminar de mejor manera, es un cierre magistral con una obra de culto que tanto en su versión original como en la sinfónica; The Call Of Ktulu el gran instrumental de Metallica, con una dinámica que te mantiene los casi 9 minutos que dura en una burbuja temporal. Disfrútenlo

RIDE THE LIGHTING (1984)

01 - Fight Fire With Fire

02 - Ride the Lightning

03 - For Whom the Bell Tolls

04 - Fade to Black

05 - Trapped Under Ice

06 - Escape

07 - Creeping Death

08 -The Call Of Ktulu

Formación: James Hetfield , Lars Ulrich Kirk Hammett y Cliff Burton

Descarga acá

Crossfire